La obra del legendario fotógrafo de San Petersburgo Boris Smelov es de gran interés para historiadores del arte, críticos, teóricos, historiadores y aficionados a la fotografía. En 2009, el Hermitage organizó la mayor exposición del mundo de sus fotografías. Ninguna mención a Petit-Boris deja indiferente a nadie. Por qué? Hemos intentado responder a esta pregunta citando diferentes puntos de vista, recuerdos y citas del propio Boris Smelov.
Autorretrato. 1997
El fotógrafo Boris Smelov se convirtió en una leyenda en vida.
– Quieres el sol y la luna, el diluvio y la nieve todo en una sola foto??? Pero es el fin del mundo?
– Sí.
Del diálogo entre Boris Smelov y Masha Snigirevskaya
Puente Nicholas. 1995
Arkady Ippolitov
Investigador principal del Departamento de Europa Occidental
de bellas artes del Hermitage del Estado,
Boris Smelov, autor del concepto y comisario de la exposición. Retrospectiva
Museo Estatal del Hermitage, 20 de marzo – 28 de junio de 2009
El fotógrafo Boris Smelov 1951-1998 , en vida, se convirtió en una leyenda de la fotografía de San Petersburgo, un clásico viviente, admirado por todos los que estaban relacionados de alguna manera con el arte de la fotografía.
Cualquier fotógrafo más o menos visible de San Petersburgo en la actualidad ha recibido la influencia de Brodsky. Su retrato de San Petersburgo no es sólo una instantánea de calidad, sino que es sin duda la declaración más expresiva que se hizo sobre la ciudad a finales del siglo pasado, una declaración igual de importante que la poesía de Brodsky.
Su obra es el fenómeno más valioso y vivo de la cultura de San Petersburgo de los años 70-90., Su obra está asociada a San Petersburgo, dedicada y definida por San Petersburgo, pero al mismo tiempo tiene un alcance internacional, ya que sus fotografías son comparables a los más altos ejemplos de fotografía del mundo.
El sonido de un oboe. 1972
David Galloway. La ciudad de las sombras. La ciudad de las lágrimas
El Prof. David Galloway
historiador del arte contemporáneo,
crítico de arte ARTnews, International Herald Tribune ,
editor de Art in America,
comisario de exposiciones internacionales,
autor y editor de numerosos libros de arte
Es interesante imaginar cómo respondería Boris Smelov a la revolución digital de la fotografía, que apenas empezaba a desplegar sus alas por el mundo en 1998, cuando él murió. Por un lado, el fotógrafo siempre estuvo fascinado por los avances de la tecnología fotográfica, y a menudo se lamentaba de lo difícil que había sido adquirir los últimos equipos y materiales en la Unión Soviética, donde sólo se reconocían oficialmente las fotografías periodísticas y de aficionados. Sin embargo, Smelov tenía cámaras de primera clase y siempre imprimía en papel fotográfico de alta calidad. Para Smelov era obvio que el desarrollo de la tecnología implicaba, naturalmente, un cambio cualitativo. En una entrevista publicada en 1988, Smelov expresó la idea de que la aparición de las cámaras automáticas y la nueva tecnología de revelado e impresión de fotografías ampliaron «el abanico de la creatividad, enriquecieron el estilo de los fotógrafos e incluso su visión». Pero no le entusiasma ninguna innovación: «La posibilidad de hacer una buena ‘tarjeta’ sin inteligencia ni cultura conlleva el peligro de anquilosar la fotografía». No es de extrañar que anticipase el fenómeno, que muchos vieron después como el reverso de la estética digital que inundó el mercado del arte a finales del siglo pasado: sin una visión autoral del mundo, sin la postura humana del artista, los resultados son «vacíos y fríos.
La palabra clave en las reflexiones de Smelov sobre la fotografía es siempre «cultura». Cuando se le preguntó cuál debería ser la formación ideal de un fotógrafo, respondió que no sería técnica sino humanística: filosófica, psicológica, de historia del arte. Aunque, según muchos, «las imágenes hablan más que las palabras», cabe destacar que entre los temas importantes para el futuro fotógrafo Smelov incluyó las lenguas extranjeras en su currículo.
Sus fotografías son el testimonio de un maestro dedicado, que amaba la filosofía de Dostoievski, las pinturas de Van Gogh y la música de Mozart, pero también leía las obras teóricas de Siegfried Krakauer y Roland Barthes y era generoso con los elogios al valorar las obras de sus colegas. Sus sujetos favoritos en la fotografía fueron Henri Cartier-Bresson y Josef Sudek, que le enseñaron una importante lección: «Todo objeto del mundo material tiene un alma.
Al principio de su carrera como fotógrafo, Smelov realizó retratos de artistas y escritores underground, incluido él mismo, y a veces trabajó, con gran éxito, en el género de la naturaleza muerta. Su Naturaleza muerta con granada 1988 y Naturaleza muerta con espejo curvo 1991 son verdaderas obras maestras de este género. Demuestran lo bien que Smelov conocía la pintura del Renacimiento.
Pero en esencia, fue un fotógrafo y cronista de la ciudad, y no de cualquier ciudad, sino de Leningrado San Petersburgo, donde nació y murió. Continuó así la gran tradición de la fotografía urbana, que había comenzado en el siglo XIX con la aparición de esta forma de arte. Fue una época de rápida urbanización e industrialización. El contraste entre la riqueza y la pobreza, entre los bulevares soleados y los callejones oscuros, entre los edificios públicos lujosos y las casas de vecindad destartaladas, era una fuente inagotable de inspiración para sus fotografías.
La obra de Smelov «Tuchkov Lane» 1995 muestra que este contraste ha conservado su fuerza muchas décadas después. En este cuadro, caracterizado por una estricta composición geométrica, vemos a una anciana apoyada en un bastón y caminando con cautela por una estrecha franja de luz que corre paralela a la pared sin rostro de un edificio rectangular. Su camino cruza una senda sombreada, en cuyo fondo se ven varios árboles: podría tratarse de un parque, uno de los motivos favoritos de Smelov. Las sombras del primer plano son obviamente de un árbol, que no es visible en el encuadre. El lenguaje de las oposiciones es sencillo, pero rico y expresivo: luz y oscuridad, arquitectura y naturaleza, hombre y paisaje urbano anónimo. En otras obras, entre las que se incluyen bocetos tan sombríos como El hombre del cubo 1974 y El muro 1975 , no hay naturaleza, sino lúgubres laberintos en los que se apiñan habitantes invisibles. Hay que tener en cuenta que estas obras representan un periodo especialmente importante y agitado en la biografía creativa de Smelov, cuando recibió por primera vez el reconocimiento del público, pero al mismo tiempo empezó a ser perseguido por las autoridades, que en 1975 cerraron su exposición en el Palacio de la Cultura «Vyborgsky» y confiscaron las obras allí expuestas.
En los paisajes urbanos de Smelov rara vez se ve una figura humana, y las personas que se pueden encontrar, por ejemplo, en Dos figuras en un callejón 1971 , son en esencia extras sin nombre, que obviamente atraen al artista por el interesante juego de luces y sombras, y no como individuos. «The Silver Boy» 1995 es una sorprendente excepción a la regla: en esta composición, la figura humana constituye el verdadero centro. Sin embargo, en la mayoría de los casos, las figuras que aparecen en las imágenes de Smelov no son seres humanos: son estatuas de piedra en un cementerio, o esculturas que adornan una fuente o un puente, como el centauro que se balancea con tanta elegancia en «Pavlovsk, puente del centauro I» 1975 y «Pavlovsk, puente del centauro II» 1994 . Es interesante observar que en la última obra el entorno natural pasa a primer plano, mientras que la propia escultura es consumida casi por completo por la sombra.
Smelov también tiene bocetos arquitectónicos, que rozan la abstracción geométrica. La luz que cae oblicuamente a través de las ventanas, los arcos atravesados por el límite entre la luz y la oscuridad, las escaleras y balaustradas en espiral: estos motivos atrajeron claramente al artista precisamente por su forma. Sin embargo, Smelov, que se interesaba por la filosofía contemporánea, veía en ellos connotaciones quizá también existenciales. Un aire de misterio y tristeza impregna estos paisajes urbanos petersburgueses, en parte porque Smelov rara vez tomó fotografías a plena luz del sol. A veces vemos la luz difuminada del atardecer en los cuadros, pero sobre todo el artista amaba la luz de la madrugada, cuando los rayos del sol empezaban a despejar la niebla sobre un cementerio, un puente o un parque infantil. Las sombras en las horas de la mañana son largas y profundas, por lo que los detalles destacados aparecen especialmente bien. Cuando miramos las fotografías de Smelov vemos Leningrado/Petersburgo no como la ciudad de la luz que los arquitectos de la época de Pedro el Grande habían imaginado. A pesar de todo el esplendor de esta ciudad, es un mundo de sombras y, a menudo, de lágrimas. En un artículo titulado «Después de Raskolnikov: la fotografía rusa de hoy», el crítico John P. Smelov, escribe. Jacob calificó a Smelov de «maestro de la escuela del esteticismo espiritual». De hecho, la serie «In Memoriam Dostoevsky» podría ocupar toda la obra de este artista, que está prodigiosamente dotado y se distingue en el arte de la fotografía.
Puente de heno. 1993
Boris Smelov. De las entrevistas realizadas a lo largo de los años
El secreto es necesario
Foto soviética. 1988. № 10.
– ¿Qué quiere decir con éxitos y fracasos??
– Mis mayores fracasos siempre han sido los aspectos técnicos de la fotografía, el oficio, cuando, por impaciencia y alboroto, perdía irremediablemente las mejores tomas al disparar o en el laboratorio. La suerte es la coincidencia de las intenciones creativas y la «premonición del tiro» con el resultado final. En general, me considero un representante de la fotografía emocional e intuitiva, y a la hora de disparar confío más en mis sentimientos que en mis ideas preliminares. Pero al mismo tiempo, no pienses que es desconcertante, yo solía soñar con muchas de mis fotografías, y luego, a veces años después, las veía yo mismo de repente. Y tengo suerte si tengo mi cámara y mi película conmigo en esos momentos.
– En su opinión, ¿qué puede y debe hacerse para evitar la fotografía «impersonal»??
– Hoy en día estamos muy faltos de teoría fotográfica seria. Prácticamente no hay afluencia de fuerzas jóvenes y frescas.
La cuestión de la educación de los fotógrafos me parece extremadamente importante. Yo mismo siento sus lagunas cada vez más dolorosamente con la edad. Es interesante que la mayoría de los fotógrafos de hoy en día tengan una formación técnica, pero sería más útil tener una formación en artes liberales: filosófica, psicológica, historia del arte y, por supuesto, conocimiento de lenguas extranjeras. Hay que conocer la historia del arte para hacer una nueva historia. Un artista debe conocer el pasado quizás incluso mejor que el presente, que puede percibir intuitivamente. La cultura de un autor siempre se manifiesta, de un modo u otro, en su obra. Y creo que sin el amor por la filosofía de Dostoievski, los cuadros de Van Gogh o la música de Mozart no sólo yo, sino también mi obra, habrían sido más pobres.
– Una última pregunta. ¿Hay alguna cualidad que posea sin falta una fotografía de éxito??
– Sí. Debe haber un Misterio en él. De lo contrario, se perderá su multivalencia.
La imagen de la ciudad
Subjetivo. 1995. № 1.
La ciudad domina mi fotografía, aunque últimamente, para darle vida y sólo por eso , me he centrado cada vez más en la gente de la ciudad. Rodaje con infrarrojos en película especial. En el pasado disparé con emulsiones de alta sensibilidad y filtros rojos para conseguir un cierto dramatismo, una saturación, una concentración de San Petersburgo. La película infrarroja me fascinó porque daba una nueva calidad y un efecto gráfico completamente diferente. La dificultad de hacer fotos es que no se puede acertar con las medidas de exposición. Esta película no tiene sentido en las cámaras automáticas, donde se introduce la sensibilidad. Eso es lo bonito de trabajar con él: añades otro parámetro y a veces no sabes lo que va a pasar, a pesar de los años de experiencia. Cuanto más se vive, menos se entiende el efecto de la luz sobre la emulsión. Estamos acostumbrados a no tener en cuenta la radiación térmica, pero aquí la temperatura de los objetos afecta a la exposición total, pero no hay absolutamente ninguna manera de medir ese efecto. Naturalmente, hay que llevar duplicados, aunque es una pena traducir material caro. Otra peculiaridad: el enfoque adecuado en este tipo de películas es diferente al de las películas ordinarias. El cielo está muy oscurecido, los verdes están iluminados, parece inusual. Y por eso es necesario un enfoque peculiar de la composición que tenga en cuenta todas estas características.
Rodar con película infrarroja me ayuda a subrayar un cierto cosmopolitismo de la ciudad, sus objetos, su épica, su significado, su tragedia. Y las fotos tomadas con película ordinaria en tiempo de niebla, dada la limitación o la falta de fondos, esencialmente sólo el primer plano y esta delicada grisura nacarada enfatiza una especie de lirismo localizado. Pero debo decir que en ambos casos el romanticismo prevalece en mi fotografía.
En mi casa
De una entrevista de 1993. Al editor del álbum «Winter Petersburg» 1997 .
– ¿Cuánto tiempo lleva rodando en general y en invierno??
– Probablemente desde que me congelé las manos y los pies a los trece años.
– ¿Qué aspectos específicos de la fotografía de invierno puede nombrar??
– La congelación, cuando la temperatura baja drásticamente, y el objetivo bajo la chaqueta e incluso en el estuche se empaña, así que antes de hacer la foto, mira de reojo el objetivo de tu cámara!
– ¿Qué tiene la ciudad de San Petersburgo, y el invierno en particular, que le atrae??
– Rough – la ausencia de barro. Más sutilmente, todo lo que es concebido y, por cierto, encarnado por todos los arquitectos europeos. El invierno ciertamente, como el Neva en las inundaciones, limpia, pero en un sentido diferente.
– ¿Qué momentos del rodaje de invierno puede recordar??
– Una rotura de tejado en invierno: se las arregló como un gato a través de una ventana del ático, pero tal vez fue en vano..
– Lo que debe tener un fotógrafo para hacer fotos en invierno?
– Creo que habría que consultar al equipo Cousteau. Sería bueno ponerlos en el Neva! En serio, lo que cuenta son los zapatos. Los Valens están bien, pero no son realmente. Por qué? Perfecto para el campo, pero, digamos, en un tejado, sus pies sujetos no le aportarán destreza.
– ¿Utiliza la dirección de la trama o confía en el azar?
– Caso intuitivo – cuando la nieve, el transeúnte, el puente y la casa se funden en la inmutabilidad, eso es el destino.
– ¿Quiénes son sus influencias entre los maestros de la fotografía??
– Una pregunta íntima. En el sentido de que su puesta en escena implica para la persona promedio – ¿a quién te pareces?? Si para este, lo compraré, pero para el otro, esperaré hasta que estés muerto.
Del catálogo de la exposición «Boris Smelov. Retrospectiva» en el Museo Estatal del Hermitage
Del 20 de marzo al 28 de junio de 2009.
Gracias a la Fundación Boris Smelov por los textos y las fotos facilitadas.
Con motivo de la exposición del Hermitage, el álbum «Boris Smelov. Una retrospectiva Editorial KERBER, 448 pp., en Español e inglés, 3500 ejemplares., De venta en todas las librerías de arte de Europa y Estados Unidos .
Un amante de lo agrio. 1975
Lirios manchados. 1987
El niño de plata. 1995
Vendedor de cachorros. 1972
La pareja Florensky. 1981
Gato blanco. 1993
Una mirada hacia abajo. 1975
El Fontanka en invierno. 1987
Foto: Boris Smelov
¿Cuáles son los aspectos que han contribuido a la reputación impecable de Boris Smelov como fotógrafo?
La reputación impecable de Boris Smelov como fotógrafo se debe a varios aspectos. En primer lugar, su habilidad para capturar la esencia y la emoción de sus sujetos en cada fotografía. Su técnica y estilo únicos le han permitido crear obras visualmente impactantes y emocionalmente poderosas. Además, su dedicación a perfeccionar su arte a lo largo de los años ha hecho que sea reconocido como uno de los mejores en su campo. Su ética de trabajo impecable y su pasión por la fotografía también han contribuido a consolidar su reputación como un artista excepcional y respetado en la industria.