Disparo con Olympus. Fotógrafo Stanislav Puchkovsky 2: Cuando disparas, debes pensar que te sobran más de mil disparos

Stanislav Puchkovsky también conocido como Sean Archer cuenta la historia de su éxito: cómo sucedió todo, qué le ayudó a progresar tan rápidamente y qué equipo utiliza para rodar. dice nuestro sitio web. La conversación, que originalmente adoptó la forma de un diálogo, fue dirigida, grabada y diseñada por Dmitry Krupsky.

Foto: Stanislav Puchkovsky

Stanislav Puchkovsky

Esperanza

Probablemente siempre he tenido la suerte de tener talento para el dibujo. Yo era el mejor dibujante de la escuela, simplemente se solucionó. No fui a la escuela de arte, simplemente me las arreglé para hacerlo fácilmente y bien. Por eso fui a la escuela de arquitectura, porque fue una decisión natural: sabía dibujar, así que voy a la escuela de arquitectura. Y una de las asignaturas principales es el dibujo académico. Al menos ocho horas a la semana.

Fue un gran curso. Empezamos con bolas de yeso, triángulos y cubos. Creo que es muy importante para cualquier fotógrafo ver y entender cómo cae la luz. Luego vinieron los bajorrelieves de yeso, las cabezas de yeso, las estatuas. Dibujábamos esqueletos, trabajábamos con modelos anatómicos y luego pasábamos a personas reales.

Naturalmente, todo esto da una idea, sobre todo, de la composición. Lo que muchos fotógrafos no se dan cuenta en principio. Un buen dibujo a lápiz lleva ocho horas. Y tienes que sentar a una persona lo más cómodamente posible porque vas a estar pintándola durante ocho horas. No tienes margen de error. Hay que acertar en la foto de inmediato.

Los fotógrafos a menudo toman las poses más salvajes, sin pensar en cómo se ve la persona en la foto. Hoy en día, con la tecnología digital, se puede disparar mucho, así que se dispara lo que se quiere. Mi cerebro está agudizado para disparar de inmediato. Para que el encuadre sea lo más claro posible, lo más sencillo, y para que la persona esté lo mejor dispuesta posible en el encuadre.

Cuando haces una foto, tienes que pensar que no tienes mil fotogramas en stock, sino esforzarte por tener la misma sensación que si hicieras cada fotograma. Por supuesto, disparo muchos fotogramas, obtengo entre 300 y 500 de media en una sesión de fotos, pero intento componer bien cada toma desde el principio.

Después de la universidad, me dediqué sobre todo a la televisión y a la publicidad. También fui diseñador jefe en uno de los mayores canales de televisión fuera de Madrid, aquí en Ekaterimburgo. Y cuando se trabaja en el diseño de televisión, ¿para qué se trabaja?? A la pantalla. Alineas toda la composición cuidadosamente en ese rectángulo. La fotografía es lo mismo que un rectángulo, aquí también es muy importante la composición, también se trabaja para un rectángulo. Y también, por supuesto, mientras estaba allí, dominé Photoshop, el programa más importante para un fotógrafo.

A mí también me interesa la fotografía desde hace mucho tiempo. Pero como consumidor, como espectador. Me gustaba ver buenas fotos, así que hice una carpeta especial en mi ordenador, donde guardé un par de miles de fotos de mis favoritas. Un poco de bagaje cultural.

Pero no pensaba en hacer yo mismo las fotografías. Porque así es como solemos imaginarnos a un fotógrafo real? Tiene un equipo caro, un equipo de alta gama, objetivos… Seguro que hay un estudio, y luces potentes y caras. Sólo fotografía a gente famosa, supermodelos geniales. Y sólo si trabajas así durante diez años puedes convertirte en un gran fotógrafo. Así es más o menos como me lo imaginaba.

Por eso me compré mi primera cámara -y fue una Panasonic Lumix G3 sin espejo- más bien por diversión, como un gadget. para hacer fotos de viajes al campo, amigos, cosas así. No sabía nada sobre la fotografía en sí. No sabía cuál era la distancia focal, no sabía cuál era la velocidad de obturación… Tenía un objetivo zoom, así que lo puse en una posición determinada porque se veía bien así. No sabía lo que era la apertura, lo que era el ISO. Y lo que es más, ni siquiera lo investigué.

Y entonces un amigo mío me dijo: «Hazme una foto». Se basó en lo que – después de todo, soy un diseñador profesional, debería saber «lo bonito». Así que decidí probarlo.

Aquí hay que decir que las cámaras sin espejo son muy amigables con el usuario. Si mi primera cámara hubiera sido una DSLR, no creo que hubiera sido tan fácil.

Activé el modo automático de Retrato, hice algunas tomas… y como sé más o menos cómo encuadrar la toma y sé cómo trabajar con la toma después, obtuve bastante buenas tomas rápidamente. Entonces empecé a disparar a amigos, conocidos. ¿Quién va a acudir a ti si eres un fotógrafo desconocido?? Sólo los que confían en ti personalmente.

Al cabo de dos o tres meses me preguntaba si era realmente bueno o si sólo creía que lo era. ¿Y cómo se comprueba eso?? Publicar las fotos en un sitio web dedicado, donde se vota, se califica. El sitio más visitado de España – Photosight. Empecé con ello. No estaba seguro de si era bueno, así que adopté un seudónimo. Solía escribir ARCHER en inglés, Archer, Shooter cuando tenía que introducir un apodo en los juegos de ordenador. Me acordé de la película de acción de los noventa «Face/Off» en la que el protagonista se llamaba Sean Archer, así que adopté ese apodo, Sean Archer. Y una de las primeras fotos que publiqué fue votada como «foto del día en España!

Al principio disparaba con un objetivo de kit 14-42:

Tengo algunas favoritas y otras muy populares que fueron tomadas con este objetivo:

Quiero decir que, en principio, se puede fotografiar con una ballena, siempre y cuando se tenga el olfato artístico, la capacidad de composición y las habilidades de procesamiento para hacer una toma realmente decente.

Y sin embargo, tres meses después de empezar a disparar, me di cuenta de que necesitaba un objetivo adecuado. Y creo que nací realmente como fotógrafo cuando compré el objetivo M.Zuiko Digital 45/1.8.

El primer día hice dos tomas con un objetivo fijo:

Fue, por supuesto, un paso adelante absoluto porque 45/1.El 8 es un gran objetivo. No quiero hacer publicidad, lo compré con mi propio dinero. Es pequeño, pero es realmente bueno y es perfecto para los retratos, incluso en espacios reducidos. Porque sólo disparo con luz natural, y normalmente en mi casa, la luz es sólo de la ventana.

Cuando puse este objetivo, sentí que había comprado una cámara nueva. Porque las fotos fueron mucho más frías. Fue un avance para mí, un milagro. Eso fue más o menos cuando empecé a subir fotos a «500px».com . Fue creada en Canadá por emigrantes Españols aficionados a la fotografía. Cuenta con cuatro millones de miembros de todo el mundo y se suben entre 40 y 50 mil fotos al día. En primer lugar, me gustó el diseño, la forma en que las fotos estaban dispuestas tan bien, pensé, bueno, voy a tener una bonita cartera.

Pero de repente una de mis fotos se convirtió en líder de audiencia, la foto más popular del sitio. Estoy impresionado por eso. Para tener éxito en un campo tan competitivo en el que trabajan tantas personas!

El camino del mundo es que si te haces popular suele significar un cierto ingreso. Al principio no lo pensé. Pensé que 500rx era el lugar para construir una buena cartera. Y resulta que el sitio está clasificado. En un momento dado me di cuenta de que era el «número uno» en popularidad en 500px. Ahora mi cartera tiene 16 millones de vistas, 650.000 likes, 55.000 suscriptores. Nadie más tiene eso, y hay profesionales muy fuertes de todo el mundo.

He sido publicado en grandes revistas de fotografía de todo el mundo. Ya han aparecido seis revistas con mis portadas y grandes entrevistas. Estas revistas se venden en todo el mundo, en todos los quioscos. Me llegan fotos de publicaciones localizadas de todas partes, Nueva York, Estambul, Sofía, Roma, París, Hong Kong y Malasia.

De qué se trata? Es muy popular con las impresiones. Cuando te fotografían en una revista como ésta, es como si te dieran un certificado: ya está, amigo, eres oficialmente un reconocido retratista fotográfico, fotomaster. Y supone una gran diferencia para miles de personas en todo el mundo. Muchas personas han acudido a mí en busca de ayuda: cómo hacer esto, cómo aquello?.. Solía recibir cinco o diez preguntas así al día. Al principio intenté responder, pero me di cuenta de que no es realista. Y también me di cuenta de que hay que cobrar por ello. Así que empecé a dar clases de fotografía, y domino el inglés. Es divertido hablar con gente de todo el mundo. Es rentable, es interesante, estamos comunicando cosas diferentes. Al principio pensé que sería aburrido ganarse la vida, pero resultó ser una actividad muy interesante para todos. Sobre todo cuando la gente te enseña sus fotos después, y puedes ver que realmente han progresado. Es genial, es cálido, es agradable.

Y nunca se aburre. Ya te dije que me gustaba y sabía dibujar desde que era un niño. Es un talento que obviamente siempre he tenido, y en la fotografía he conseguido darle vida. Ahora siento que es cien por cien asunto mío. Absolutamente, desde el principio. Me encontré en ella. Sea lo que sea que haya hecho antes en mi vida, nunca me he divertido tanto, no sólo con el proceso sino también con el resultado. Cuando llegas a ese nivel… La gente me escribe de todo el mundo, me dan las gracias, están extasiados.

En plan, tío, eres increíble, eres un modelo a seguir, yo también quiero aprender eso, gracias, sigue con el buen trabajo, etc. Es realmente alentador! Cuando te das cuenta de que estás haciendo algo que le gusta a mucha gente y te inspira y recibes ese tipo de comentarios cada día, te sientes muy bien, no puedo expresarlo lo suficiente. Se quita cualquier complejo de mediana edad, cualquier cosa. Al fin y al cabo, todo lo que hacemos en la vida, ya sea trabajo o arte, tiene que ver con la aprobación de los demás. Y cuando lo he hecho bien… Naturalmente, nunca es aburrido. Es realmente genial.

Me escribieron desde What Digital Camera, una revista comercial británica, que a nadie le importa que dispares con un equipo guay. Pero cuando se hacen fotos tan populares con una simple máquina, utilizando sólo luz natural…

Para mí es muy sencillo. La habitación que alquilo es de veinte plazas. Esta es la sala de estar, tengo un sofá y un televisor allí. El piso es sencillo, planta alta, lado sur. Hay un balcón acristalado junto a la ventana. Hay buena luz en el piso, ligeramente difusa.

La casa es de ladrillo, las paredes son muy gruesas, incluso dos modelos podrían caber en el alféizar de la ventana. Los grandes ventanales y la buena luz hacen que la imagen sea suficientemente buena.

Sólo tengo papel pintado en la pared como fondo, se llama «yeso veneciano». Desprenden un poco de textura, como si fuera un yeso viejo ligeramente agrietado. Pero no es para la foto, sólo tenía esta habitación diseñada de esa manera.

El modelo suele estar de pie cerca de una ventana con la luz entrando por un lado:

Otro esquema que uso en casa es simplemente poner el modelo frente a una ventana. La pared está lejos y se obtiene un fondo borroso gracias a la gran apertura:

Al principio no me tomaba la fotografía en serio. No disparé en RAW, lo hice todo en JPEG. Porque en una cámara sin espejo lo ves todo antes de haber hecho la foto. Si ves demasiada luz, giras el dial un poco, el automático se ajusta, la foto es buena, disparas. Básicamente, necesitas el RAW para estirar la imagen cuando estás subexpuesto o sobreexpuesto, hay un margen de luz ahí. Y si tienes un buen encuadre y la exposición es correcta, no necesitas el RAW para nada. Así que ni siquiera me molesté en hacerlo, sólo disparaba en jpegs.

Y empecé a disparar en RAW cuando me compré una DSLR Canon 6D de formato completo. Ese fue mi siguiente paso… porque con la Panasonic G3, tengo que admitir, sólo conseguí buenas fotos en un día soleado. Si hacía mal tiempo, si estaba oscuro, lo cancelaba, porque la cámara no podía con ello. Así que compré la 6D porque funciona muy bien en ISO alto.

Y fue entonces cuando me di cuenta de que mis antiguos principios no funcionaban. No me gustó el modo automático allí. Tengo una mala imagen en mi Canon. Siempre iba a ser un error. Era sobreexposición, mal color… Y lo más importante es que en la Panasonic lo vi ANTES de apretar el botón. Y en una DSLR de Canon, sólo se ve el resultado DESPUÉS.

He aprendido que si quieres disparar con una DSLR, tienes que aprender el modo manual. Luego me puse a ello, y eso fue todo: a partir de entonces, sólo disparé en un tubo de espejo manualmente. Se dispara todo manualmente para cada toma. Un ligero cambio en el clima – reordenando todo. Y en un día aburrido y nublado en interiores, por supuesto, la Canon lo hizo bien.

Naturalmente, aprendí a trabajar con una DSLR y a disparar en modo manual. Ahora conozco todos los detalles y matices, he pasado de ser un principiante a alguien que sabe mucho de fotografía. Pero creo que habría sido un poco difícil para mí empezar con una DSLR. En cambio, el mirrorless fue muy fácil.

Por supuesto, no estoy negando las DSLR como segmento. Tiene un montón de buenas cámaras, profesionales y todo eso. Pero el hecho de que sean menos amigables y requieran un conocimiento más profundo de la fotografía como tal es, en mi opinión, sin duda.

Y en julio de 2014 Olympus se acercó a mí y me ofreció rodar con la E-M1, completa con objetivos 75/1.8, 12-40/2.8 y el ya conocido 45/1.8. Y lo que hice..? Decidí probar la Olympus, al igual que había hecho con la Panasonic. No me molesté, cogí a la modelo y salimos al campo y me limité a hacer fotos en modo automático. Y aquí están las imágenes de mi primera sesión:

Fue brillante, yo mismo me sorprendí. Es un ambiente difícil, a contraluz… Por supuesto, la cara de la chica era oscura. No podría ser más brillante porque no uso flash ni reflectores… por supuesto lo procesé para que fuera más brillante, pero todos los detalles están ahí! No es que los haya dibujado. La cámara los salvó. Y ahí es donde la Olympus me sorprendió. Casi inmediatamente, en el modo de retrato automático, empezó a disparar tan bien.

Con el tiempo, por supuesto, también le he cogido el tranquillo. Y ahora me encanta disparar con la E-M1 en modo manual. Como ya he crecido, me gusta tener todo bajo control. Y ajusto la imagen absolutamente a mí mismo en el proceso. Me gusta que la E-M1 tenga no sólo una pantalla, sino también un visor electrónico. Y puedo ver todo de un vistazo, incluso antes de hacer la foto, lo cual es una gran ventaja en comparación con las réflex. Voy directamente a mi ISO, ajusto el diafragma… y en el proceso simplemente giro la rueda de clic si la luz cambia, para ajustar la velocidad de obturación. Y he vuelto a disparar sólo en jpeg! Yo también he disparado en raavis, pero me he dado cuenta de que no los necesito porque enseguida tengo buenos encuadres. No hay problema en tomar una foto jpeg con la E-M1 y enviarla directamente a photoshop y obtener un buen resultado.

Y el objetivo de 75 milímetros es absolutamente precioso, ¡estoy enamorado de él!. Cuando lo probé supe enseguida que me llevaría la E-M1 y el 75/1 cuando saliera al campo.8. Tengo uno de los mejores objetivos de mi Canon, el 135/2 Elka. Pero en mi opinión, el 75mm da una imagen mucho más fría. Un bokeh muy suave, una foto muy bonita y nítida. Lo probé y me di cuenta de que era mío. En la Canon la imagen es más nítida.

No estoy destrozando a Canon ahora, y nunca lo haré. Es simplemente diferente. Las distintas cámaras producen imágenes diferentes. Para mí la Olympus es definitivamente mejor en la naturaleza, es mi elección 100%. Por no mencionar que es más pequeño y ligero. Y si hablamos del 45/1.8, no hay duda. Es casi como una cámara de apuntar y disparar, sólo la mitad del tamaño de la 6D y cámaras similares.

Olympus también es buena con la estabilización. Puedo hacer fotos a medio segundo de velocidad de obturación… un segundo incluso. La imagen se endurece, pulsas un botón y nada se difumina. Aunque en los ISO más altos – ahí la Canon fullframe probablemente sería de más ayuda, pero eso se compensa en parte por el hecho de que la Olympus tiene un gran estabilizador que te permite disparar a velocidades de obturación más lentas.

Enfocar la pantalla, de forma táctil, también lo uso a veces. Suelo disparar con el visor, me he acostumbrado, pero a veces uso la pantalla, cuando necesito disparar desde un ángulo concreto, desde la barriga. Con la pantalla abatible no es necesario agacharse, sólo hay que apuntar y se hace la foto.

Ahora he hecho muchas fotos con la E-M1, incluso en condiciones de oscuridad. Por supuesto, es un gran paso adelante desde mi primera Panasonic G3. Puedo disparar en condiciones muy oscuras y la imagen está bien.

Si intenta comparar el Zuiko 45/1.8 i 75/1.Yo tengo el 8, claro que el 75 es más chulo, pero necesita más espacio, es por espacio.

Es bueno para grandes retratos… Es lo máximo que puedo hacer en casa con un 75

Y la toma del cuerpo en la 75/1.8 en el piso, no se puede hacer una foto. Aquí está la misma chica para comparar, pero ya con un 45/1.8.

Si de repente tuviera que elegir sólo uno de estos dos objetivos… supongo que si viviera en California me quedaría con el 75/1.8 y se fue a disparar en exteriores, pero el nuestro es un invierno largo, hay que disparar mucho en interiores… y desde ese punto de vista, yo iría por un 45/1.8.

Por cierto, sobre los objetivos: hace poco me llevé la E-M1 y un objetivo 12-40/2 a un viaje a Europa.8. Nunca he tenido tan buenas fotos de un viaje! Es la primera vez que fotografío un paisaje, mi ciudad natal de Ekaterimburgo:

Disparé en automático, salió bien, y me llevé este kit de viaje – pequeño y muy práctico. Tengo el 12-40 bien abierto para cualquier ocasión.

También fue muy cómodo trabajar con la tableta durante el viaje. Se conecta por wifi, hay wifi integrado en la E-M1. Si inicias el Wi-Fi, la cámara dibuja un código QR en la pantalla. Haces una foto con tu tableta y se conecta inmediatamente. Abres las fotos directamente en la tableta, las hojeas en la tableta, borras las que no quieres y descargas las que te gustan en la tableta, las procesas de alguna manera software de Olympus o una aplicación de terceros . Es muy conveniente. Coges una tableta y lo haces todo, es muy cómodo.

Cuando me dediqué a la fotografía, básicamente seguí siendo un artista. Al igual que tomar una nueva herramienta, una cámara. Como una nueva brocha o un bote de spray. Así que no me importa si la buena luz de la foto fue realmente expuesta en el momento de la toma, o dibujada posteriormente por photoshop. Lo que importa es el resultado.

Por supuesto, hay un punto importante aquí: la fuente debe ser de alta calidad. Puedes estirar la luz, el color… pero si tienes un desenfoque, un defecto, una pérdida de detalle o una mala composición, no puedes arreglarlo, no puedes estirarlo. Por supuesto, es inútil trabajar sin una buena fuente. De todos modos, hay que llegar a un cierto nivel como fotógrafo para conseguir un buen material de partida con el que trabajar a continuación.

Hay gente que cree que una fotografía real y adecuada sólo lo es si sale directamente de la cámara. Capturar un castillo lejano contra el sol poniente es más genial que hacer la misma foto en Photoshop.

Sin embargo, en mi opinión, no importa en absoluto cómo o qué se captura. Lo único que importa es el resultado. Por supuesto, hay diferentes campos, y esto no se aplica al fotoperiodismo, donde todo debe ser documentado y honesto. Cuando estás filmando la guerra o a los niños bajo un bombardeo, si cambias o falsificas algo, es un perjurio elemental, sólo un engaño. En cuanto a la fotografía artística, lo siento, se trata del resultado. No importa si estabas en algún lugar de la nieve muriendo o si lo hiciste todo en casa… El resultado es lo único que importa.

Por qué no creo que una foto recién sacada de la cámara sea, como dicen algunos, la única fotografía verdadera? Es que si tomas el mismo lugar y lo fotografías con cinco cámaras y objetivos diferentes, obtienes cinco imágenes distintas. Además, incluso la toma con la mejor cámara del mundo con el objetivo más chulo estará infinitamente más lejos de la realidad. Para empezar, la realidad es tridimensional. La realidad es asombrosa en detalle, en profundidad. Es algo que ninguna fotografía, incluso la mejor, tendrá jamás. Cualquier imagen es una pálida copia de la realidad. Incluso si consigues una buena foto de una hermosa puesta de sol, no es comparable a lo que ves con tus ojos en la realidad. Así que creo que el objetivo del posprocesamiento es devolver el aspecto de la imagen en la vida real.

Por ejemplo, tomé una foto de una modelo – sus ojos en la vida son de un azul intenso, son brillantes, jugosos. Miro las fotos… bueno… son pálidas. Es sólo pálido, no son realmente así. Y mi trabajo es devolver esa percepción de la realidad que era real. No creo que estemos mejorando una imagen, sino acercándola a la realidad. Porque la realidad es cien veces más fría que cualquier imagen. Y para mí, Photoshop es una herramienta tan importante como una cámara o un objetivo. Está a la altura de eso.

Cómo has conseguido el resultado, cómo lo has hecho, eso no es asunto de nadie. Salvo alguna manipulación muy burda. Si ves una foto y te parece natural, está bien y es bueno. Si ves algo totalmente irreal, que rompe las leyes de la física, entonces simplemente va a la sección de foto-arte. Lo cual está bien, pero sigue siendo de otra categoría. Para mí, la fotografía es cuando se trabaja con un solo fotograma. Aunque de vez en cuando puedo añadir algo… esta foto de Rouen, por ejemplo:

He añadido la torre en el fondo. ¿Por qué?? Porque hace que el marco se vea mucho más fresco. Si sólo fuera un trozo de cielo blanco, sería genial? No. Y ahora pongo una torreta, es un tiro hermoso, es precioso. No lo oculto, porque creo que un fotógrafo ahora, sólo un fotógrafo como es, ya no es necesario. Esta profesión se está extinguiendo, pronto nadie la querrá. Pero si eres un «fotógrafo artista del tablero» entonces estarás en demanda. Hoy en día, las cámaras son cada vez más frías, así como los procesadores, los modos automáticos… Los programas de procesamiento están al alcance de todos. Como resultado, hoy en día cualquiera puede hacer una buena foto. Hace veinte años había que saber mucho para conseguir una buena toma. Ahora no tienes que saber nada.

Ya hay Live View en las DSLR, y prácticas pantallas abatibles, pantallas táctiles… Todo lo que haga más cómoda la vida del usuario aparecerá tarde o temprano en todas las cámaras, las más llamadas profesionales. Es que los fabricantes son conservadores, tienen una base de usuarios fieles, pero saben que están perdiendo esta guerra. Así que todo llegará tarde o temprano, e incluso las cámaras más avanzadas son fáciles de manejar. Cualquiera podría trabajar con ellos y por eso nadie necesitaría «sólo un fotógrafo», todos podrían hacer fotos normales.

Creo que la parte artística significa mucho más en la fotografía ahora. En el pasado, tus habilidades técnicas y la parte artística estaban quizá al cincuenta por ciento. Luego, la parte artística se volvió cada vez más importante. Ahora las habilidades técnicas son tal vez el veinte por ciento, y el ochenta por ciento son tus habilidades artísticas. Las habilidades técnicas de un fotógrafo pronto tendrán poca importancia. Eso ya está ocurriendo ahora, es el componente creativo el que está pasando a primer plano. Ese es el secreto, en mi opinión, de la buena fotografía.

Técnicamente, todo se hará mediante la automatización, no hay nada que objetar. Imagínese el nivel de automatización de las cámaras hace veinte años, y ahora. La misma E-M1 – está llena de todo tipo de equipos. He aquí un ejemplo… Un conocido me pidió que fotografiara el interior de un bar. El bar está oscuro. Me llevé la E-M1, y hay un modo en el que toma varias fotos con diferentes exposiciones y las une. Creo que se llama «fotografía de mano» o algo así. ¿Y qué opinas?? Hermosas tomas, gran detalle. No tuve que hacer nada, sólo encendí el modo, pulsé un botón y obtuve una gran foto.

Y eso vale para cualquier género, como la fotografía de calle. Un buen fotógrafo de calle es un artista, ve estas imágenes. Otra persona pasará – bueno, una escalera mecánica, ¿qué es lo que pasa?. Y lo ve!

Puedo ver a las chicas también, puedo ver el ángulo, la forma en que se ven… El noventa por ciento de mi trabajo no es sobre modelos, es sobre chicas. No tienen formación actoral, no representan nada ante la cámara. Es completamente mi trabajo, desde el principio hasta el final – encontrar el ángulo, encontrar la luz, encontrar la posición de los ojos, la posición de la cabeza.

Y todo es improvisación total. Nunca me preparo para un rodaje, en absoluto. Por lo general, una chica viene a mí con una bolsa de ropa y eso es todo. Todo nace en el proceso. Veo algo y trato de atraparlo.

Naturalmente, también presto mucha atención al procesamiento de las fotos. Sin embargo, mis fotos han mejorado en cuanto a la mejora de la imagen, pero no las chicas! Elimino las imperfecciones de la piel, por supuesto. Un grano, por ejemplo, un día está ahí, al día siguiente ha desaparecido! – así que, ¿por qué no lo sacas??

Estoy de acuerdo en que hay que preservar la naturalidad. Estoy a favor de esa naturalidad con las dos manos! Quizá sepas que hoy en día es muy popular el uso de la descomposición de frecuencias, el llamado estilo de moda. Es bonito y limpio, por supuesto, pero hay que admitir que está muy lejos de la realidad. Son imágenes totalmente antinaturales. Si abres mis fotos, creo que estarás de acuerdo en que incluso en los retratos grandes, sí, la piel está limpia! – pero fíjate en lo naturales que parecen. Puedes ver la textura de la piel, todo en su sitio. No tengo la sensación de que el procesado haga que la piel parezca poco natural.

Puedes ver todas las pecas… toda la textura de la cara completamente. Sí, está limpio. Definitivamente, estoy trabajando en ello: estoy eliminando algunas manchas, protuberancias, granos, arrugas y problemas. Pero toda la textura se conserva!

Y también diré esto. Cuando hablas con una persona -una chica, por ejemplo- la miras a los ojos, tienes una mirada puramente humana, te centras en los ojos. Aunque haya granos, no se suelen notar. Es algo subconsciente para ti. Si una chica es guapa, te gustan las expresiones faciales, las emociones, te fijas en sus movimientos. La fotografía es una cosa sin alma. Haces una foto y luego la sacas por todo el monitor a veinte megapíxeles. Naturalmente, es una imagen plana, con luz plana, y a menudo se ven todos los granos, todas las arrugas. En realidad, no los ves, simplemente no les prestas atención. Y no te ves tan cerca, en realidad no estás mirando nariz con nariz a una persona. A eso me refiero cuando digo que devuelvo una imagen a la realidad. Devuelvo la percepción misma de una persona tal y como la vemos en la vida real.

He aquí un ejemplo. Y ten en cuenta que no he tocado a la chica. Al principio, se toma una fuente de buena calidad y se trabaja sólo con la luz y el color. La luz y el color hacen maravillas. No se mejora la chica, se mejora la imagen.

También hay que entender que mis fotos en la web de 500rh son un portafolio, es un escaparate. Naturalmente, no subo todas las fotos, sino sólo las más exitosas y populares. Y, por supuesto, hago fotos a todo tipo de personas, y no todas son igual de fotogénicas. Pero puedes conseguir un buen disparo de casi cualquiera. Tengo muchas fotos de clientes habituales en mi 500rx… no de modelos, sólo de gente que viene a verme.

Toda persona puede ser filmada bien y toda persona puede ser filmada mal. Los mismos modelos que fotografío, fotografían a mucha gente, y el resultado es completamente diferente. Hay que ver la belleza y el ángulo… además un buen procesado te permite ver y mostrar a la persona como realmente es. Aquí:

Había que verla así, como una estatua. Tenía que encontrar el ángulo correcto y todo eso. Todo funcionó para que pareciera una escultura. Está claro que el mismo modelo también puede ser fotografiado de forma desagradable. Tienes que encontrar una manera de mostrarlo mejor.

En cuanto a la técnica de procesamiento… En primer lugar, no utilizo una tableta gráfica para el procesamiento. Tengo una tableta, pero no me gusta mucho, así que sólo trabajo con un ratón. Además, no utilizo ninguna descomposición de frecuencias, máscaras… Antes era diseñador, sé cómo trabajar con gráficos. Por supuesto, he estudiado y probado técnicas especializadas para el procesamiento de fotos – he probado de todo, no me gusta todo. Pensé que era un resultado poco natural, complicado, doloroso, que requería mucho tiempo. Y he ideado mi propio proceso. Se basa en métodos sencillos, el trabajo con capas y el procesamiento básico.

No voy a entrar en detalles, por supuesto. Pero conmigo es sencillo. Un fotógrafo me dijo una vez que solía trabajar en una foto durante al menos cuatro o cinco horas. Y después de trabajar conmigo, ha bajado a media hora. El resultado es… prácticamente el mismo.

Se me ocurrió todo por mi cuenta. Cuando empecé a trabajar con la fotografía, comencé a encontrar mi propio camino. Soy una persona perezosa, así que si veo que algo puede hacerse de forma más sencilla, lo hago. He encontrado algunas formas sencillas, eso es lo que uso, pero básicamente no hay nada más.

Solía dudar – quién sabe, tal vez sólo me parece que funciona bien? Pero después de ver las portadas en las principales revistas del mundo, me di cuenta de que realmente funciona al cien por cien. Y sirve para cualquier tipo de fotografía, ya sea un retrato o un paisaje. La metodología es la misma.

Mi consejo para los aspirantes a fotógrafos sería..?

En primer lugar, hay que ver más trabajos buenos y empaparse de ellos. Recuerda que me pasé un año y medio coleccionando fotos antes de empezar a hacerlas yo mismo. En segundo lugar, asistir a un curso de dibujo artístico: creo que es muy útil, tiene mucho que ofrecer.

Aprender las reglas, los ángulos, la iluminación, ver buenas películas y mucho más. Hay que empaparse como una esponja, entender la teoría y tratar de comprender por qué en esta foto la persona está bien colocada y en esta otra no. Todo afecta al subconsciente, a cómo se percibirá tu imagen.

Y probablemente vea muchos clásicos: Leonardo da Vinci, Rembrandt, Vermeer. Los clásicos no envejecen, siguen siendo relevantes. Estas fotos son inmortales porque tienen razón.

Y no diré nada sobre mis planes. Después de todo, había planeado algo allí hace dos años cuando compré mi cámara? Y cómo resultó la vida? «Si quieres hacer reír a Dios, cuéntale tus planes».