El ojo del autor en la fotografía

El rodaje de espaldas al protagonista, muy utilizado en el cine, crea la impresión de ver la escena a través de sus ojos, con lo que nos identificamos involuntariamente con él. En general, la identificación del espectador con cualquier persona el autor o el héroe o cualquier cosa en la obra de arte es un tema transversal en todo el arte y un criterio clave para lo que estamos tratando aquí.

Hay que reconocer que la toma fue hecha al azar, sin mucha expectativa, pero resultó ser la mejor toma del día. Podemos recordar que, según los testigos, el mismo Cartier-Bresson disparó no pocas fotos, y la proporción de impresiones que disparó, según muchos relatos, fue bastante estándar, es decir. e., si hubiera trabajado en nuestra editorial, habría tenido que escuchar a un contable refunfuñar: se habían comprado 2 películas, pero 3 acabaron en una edición, por lo que evidentemente se trataba de un desfalco. Conclusión práctica: dispara a la menor indicación.

La toma «funciona» gracias a la solución compositiva: hay un esquema cruzado oblicuo una línea de mesas-sillas y la mirada del héroe cruzándola, con la que especulamos , y, por cierto, uno de esos casos en los que un sensor recortado habría dado mejor resultado que uno de fotograma completo, como aquí los detalles desenfocados en la parte superior del encuadre se habrían evitado mejor .

Canon EOS 5D, 24-105/4L a 75mm, ISO 100, 1/15 seg, f/7.1, compensación de exposición -1/3, prioridad de apertura.

La pregunta más importante en la fotografía es: ¿por qué la necesita una persona en primer lugar?.

«Mis fotos de retratos dicen más de mí que de las personas a las que fotografío».

Richard Avedon

Por qué?.. Si te ganas la vida disparando, esa es otra historia. El fotógrafo Vladimir Arkhipov mencionó más de una vez que, a sus ojos, un fotógrafo aficionado serio es de mayor rango que un profesional, porque el camino desde él hasta el Maestro es más corto y recto, y un profesional dispara salchichas.

Lo que es cierto es cierto: cualquiera que dispare por dinero te dirá que una gran parte de la fotografía pagada es cuando te llevan a un lugar antiestético y te dicen: «Haz una buena foto, la necesitamos para un catálogo». Luego viene la posesión de las técnicas y trucos necesarios.

Y por supuesto que siempre es una alegría si la cámara es hábil y la foto sale bien nunca me cansaré de preguntarme qué deleite infantil siente cualquier verdadero fotógrafo, aunque ya canoso, cuando se trata del proceso técnico de hacer la foto , pero eso no cambia el asunto: también se puede hacer una foto alegre de una salchicha.

Otra cosa es que uno haga fotografías por una necesidad interior: «porque le gusta». El impulso de expresarse está en las capas más profundas de la psique y es inextinguible: alguien dispara, alguien compone, alguien hace manualidades y, si no, escribe en la valla..

Y cualquier obra relacionada con el arte es valiosa principalmente porque es un espejo en el que una persona puede verse objetivamente si quiere e intenta hacerlo como dice Viktor Ivanovskiy, si eres sentimental, tus fotos son sentimentales; si eres estúpido, tus fotos son estúpidas . De hecho, no hay otro espejo. Es decir, sin el arte serás visto por otros mucho mejor que tú mismo, pero con él obtienes una preciosa oportunidad de verte, entenderte y mejorarte a ti mismo.

Precisamente en este sentido, cabe recordar también las palabras de Sekou Asahara, ejecutado por el atentado con gas en el metro de Tokio: dijo que el peor castigo les espera a los artistas y a los intérpretes en el más allá porque enseñan a la gente reacciones falsas ajenas a su entorno. Admirando magníficos ejemplos, una persona repite las palabras de alguien y hace muecas en lugar de reflejar de qué se trata, es decir, quién es, de hecho.

Esta pregunta es siempre difícil y a veces incluso insoportable, y respuestas sencillas como «soy argentino» o papú , «soy hincha de un club de fútbol» o «soy rockero» no satisfacen a una persona exigente durante mucho tiempo. Las opciones alienadas e impulsadas son más peligrosas: no son tan sencillas y pueden clavarse en una persona para siempre. En realidad, estamos muy familiarizados con ellos: son sellos fotográficos.

«Una cámara puede fotografiar un pensamiento».

Dirk Bogarde

Una de las mejores subjetivamente, por supuesto y sin duda la más interesante forma de abordar todas estas cuestiones es la fotografía. En cada etapa de su creación tema, composición, escorzo, etc. el fotógrafo dice. la fotografía es siempre una elección, una búsqueda de la solución más interesante entre un conjunto de posibles.

Sólo hay unas pocas opciones para cada toma, pero un músico tiene 7 notas a su disposición, y nadie se queja de la falta de espacio. Y cualquier ama de casa hace sopa con el mismo conjunto de patatas, carne y sal, y siempre es diferente. Es en las pequeñas peculiaridades de la elección en cada etapa fotográfica donde radica la base material del inicio del autor, la materia prima de la que está hecha.

Puedes hacer la foto desde una posición de pie o apartarte o sentarte. Puedes enmarcar una esquina de un edificio, o puedes dejar un espacio vacío alrededor de los bordes. Se puede introducir un valor de compensación de la exposición de menos dos o dejarlo en cero… En general, se puede elegir. Dado que la fotografía, en su variante propia, es sobre todo un arte no verbal lo que significa que ninguna imagen puede ser sustituida ni siquiera por una descripción verbal detallada, siempre queda algo inefable, ineficaz en las palabras , la elección se hace cada vez de forma intuitiva.

Seguro que cualquier fotógrafo te explicará fácilmente después de la sesión por qué se acuclilló u oscureció el encuadre, pero eso no significa mucho: ten por seguro que si dos fotógrafos deslenguados fotografían el mismo tema de forma diferente, ambos justificarán sus decisiones de forma igualmente convincente. La justificación viene después, cuando ya hay una decisión intuitiva. Eso es lo que tienes que desarrollar primero y a su vez te desarrollará a ti.

«No hay reglas para una buena fotografía. Sólo hay buenas fotografías».

Ansel Adams

Son las desviaciones de la elección más obvia y banal -en el tema, la composición o lo que sea- las que el espectador registra instantáneamente como las más valiosas, tan intuitivamente como vienen a la mente o inmediatamente a las manos del fotógrafo.

Crean «puntos de interés», y su combinación es el estilo. El origen autoral en el origen de todo puede ser definido tentativamente como la actitud del autor hacia su estilo, cuando éste el estilo es también sentido como una herramienta.

Al mismo tiempo, el subcórtex no puede ser engañado: todo tipo de construcciones artificiales, más que intuitivas, son reconocidas instantáneamente por el espectador como falsas y, por tanto, sin interés. Un fotógrafo tiene que ver su encuadre un instante antes de hacer la foto ocurre, por supuesto, que verá el encuadre, pero en la realidad hay algo que no coincide o que se interpone, un fondo equivocado, por ejemplo, o gente de más, y tiene que tener cuidado de no derramarlo, manteniendo lo que ve en su mente y en orden de fuego para aportar realidad a su idea . Ver algo de manera que las emociones y todo lo demás se agite en él – entonces hay una oportunidad de disparar el tiro con una carga que va a agitar el espectador.

«Nunca me pregunto qué hacer. Eso es lo que me dicen. Las fotografías se crean solas con mi ayuda.

Ruth Bernhard

El espectador es algo bueno, por supuesto, pero no es inevitable y no siempre. Si la tarea es darse sentido a sí mismo y de ahí viene la originalidad del autor , entonces el autor puede ser un espectador bastante autosuficiente: recuerden a Gauguin, Van Gogh o a una niñera de Chicago recientemente descubierta, que lleva toda su vida haciendo fotos para sí misma tranquilamente y que ya ha sido comparada con Bresson aunque si recuerdan que se comparan anticuarios que necesitan vender su colección, entonces no hay duda .

De todos modos, en las etapas iniciales del desarrollo fotográfico, cuando no es tan fácil explicar a alguien de fuera, sino incluso dentro de ti mismo, lo que está pasando en tu foto y lo que quieres, no necesitas un público

En esta etapa un fotógrafo novato se enfrenta, si lo aprende en serio, a una tarea enciclopédica: probar el mayor número de variantes de una determinada toma, incluyendo estampas no demasiado trilladas, y luego con cuidado, recordando las palabras de Asahara, examinar los resultados y tratar de decidir por sí mismo: lo que es mío, lo que no lo es en realidad es mucho más interesante y agradable de lo que se podría pensar sin práctica . Esta es una etapa importante: cada técnica es un ladrillo en el muro del templo del estilo personal. Una vez que se tiene una u otra experiencia en el campo y algunos automatismos, entonces un espectador exigente será precioso.

«No he rodado ni un solo fotograma como iba a hacerlo. Siempre salen mejor o peor».

Diane Arbus

Una de las tentaciones más peligrosas y perniciosas en la enseñanza de la fotografía, sobre todo al principio, es el ansia de perfección rápida existe una trampa similar en la práctica cristiana: cuando un recién convertido intenta convertirse en santo lo antes posible . Dónde conseguir esta perfección en la primera etapa?

El más fácil y rápido es el lateral. Pero la perfección de otra persona, si intentas copiarla y presentarla como propia, amortigua los mismos impulsos de los que un día podría surgir un gran cuadro, con el desarrollo adecuado. En este sentido, la historia de Iván el Zarevich, que quemó prematuramente la piel de rana de su esposa, puede leerse también como un consejo codificado para el joven fotógrafo.

Ve todo lo que tengas que ir en la piel, aunque no sea Calvin Klein o aguanta con tu musa dentro , entonces estarás mejor. La imitación no sólo es inviable, sino que matará el principal grano que hay que cultivar y regar: el origen personal del autor. Y si lo dejas madurar un poco, es como el chiste: «Cuando sea mayor, tendré todos los que quieras». Así que es muy recomendable que un fotógrafo, especialmente un principiante, el gamberrismo y la experimentación – es a partir de la imperfección fácil, consciente y deliberada, a partir de las desviaciones de las reglas que se forma un estilo personal, y si ser un egoísta saludable no es más importante que esta tarea.

«Si un jarrón antiguo está bellamente esculpido y pintado, será bello sólo por eso. Pero no creo que lo mismo sea cierto para una fotografía. Si no tiene algo raro, algo incompleto, sólo parecerá una copia de algo bonito. No es probable que nos interese.

John Loengard

Por supuesto, el conjunto de herramientas fotográficas es peculiar. Un artista que conozco se asombraba una vez: «Qué difícil debe ser para vosotros, los fotógrafos, encontrar un tema para que todo coincida y tener tiempo para disparar. Para nosotros, para los pintores, es mucho más fácil: aprendes, desarrollas tu técnica y luego pintas a tu gusto.

Hay una razón para ello: el fotógrafo es realmente más dependiente de su entorno. Por eso recojo todo tipo de técnicas de donde puedo. Hay todo tipo de trucos durante una exposición cableado, por ejemplo , y ópticas hechas por uno mismo, y Photoshop. Todas las herramientas son buenas mientras haya un resultado. Los argumentos de que la fotografía «pura» es decir, sin «Photoshop» es siempre superior y mejor parecen estar cediendo por fin.

Hay algo de deporte en ellos. Es como decir que si un ninja mata a sus enemigos con cinco armas diferentes, y el otro con una sola katana de confianza, entonces el segundo es más importante. Puede ser, pero no tiene por qué serlo: es mucho más importante cuántos enemigos y cuáles han sido asesinados por unos y otros. Aunque, por supuesto, si eres un fanático de las katanas, este enfoque se hace más comprensible.

«La fotografía no se hace, se crea».

Ansel Adams

Ya que mencionamos el «Photoshop», no estará de más recordar un hecho un poco desagradable para los fotógrafos: Cartier-Bresson dejó la fotografía y se dedicó a la pintura al final de su vida. «Aquí! – Otro artista que conozco gritó después de escuchar esto. – Los fotógrafos sois unos fetichistas! Un verdadero artista sabe que todo esto: tanto la cámara como la pintura son sólo herramientas en sus manos!»Así que tal vez Photoshop algún día se unirá a las filas.

Pero volviendo al espectador. El tema del espectador y, más ampliamente, la apreciación de su obra muy pronto comienza a empantanarse en una cuestión de entorno cultural y de contexto. Hay una fuerte conexión con la obra del autor. Un artista no vive en un espacio sin aire, y la sociedad es muy importante para él. Por supuesto, la sociedad es grande a primera vista, y en la vida cotidiana nadie se molesta en comunicarse sólo con un estrecho círculo de elegidos.

Pero cuando se trata de la matriz cultural, es un poco más complicado. De hecho, hemos adoptado la fotografía occidental como nuestro estándar de excelencia. Esto no es sorprendente, ya que ha llegado muy lejos, y no hay nada malo en ello. Sólo hay que distinguir las dos vertientes, el nivel técnico de ejecución y el significado de una determinada imagen en su contexto cultural.

No se puede dejar de notar que el progreso en la adopción de la experiencia occidental en la primera parte, la técnica, ha superado en gran medida los avances en la segunda parte. Y esto es inevitable: a un fotógrafo que ha crecido en otro entorno le resulta extremadamente difícil captar los significados intuitivos codificados en las fotografías europeas, al igual que nuestro artista no puede tomarse físicamente los problemas que perturban a los europeos como para hablar de ellos en un lenguaje intuitivo con un espectador europeo, por mucho que imite con diligencia las obras maestras europeas más ruidosas.

«En toda imagen siempre hay dos: el fotógrafo y el espectador».

Ansel Adams

No hay que ir muy lejos para encontrar ejemplos. Todo fotógrafo principiante, si se esfuerza lo suficiente, puede dominar las técnicas profesionales de la fotografía de moda occidental contemporánea por ejemplo . Pero pocas personas entienden realmente no se aplica, como la misma moda y la publicidad, pero la fotografía de arte moderno occidental.

No se trata sólo de experimentos ajenos: incluso la obra de Andreas Gursky, cuyo estatus de obra maestra ha sido confirmado por millones de ventas, provoca una ligera preocupación de que podamos ser engañados? ¿Qué es este Warhol de nuestros días?? Y sólo los numerosos ceros en los informes de las subastas son de alguna manera tranquilizadores. No parece que se vaya a engañar por esa cantidad de dinero.

¿A dónde vamos con esto?? Gursky es sólo un ejemplo para mayor claridad. La cuestión es que aprendemos los trucos técnicos e incluso sólo los notamos mucho más rápido que los semánticos. Esta situación no es ideal, pero es común. Y la conclusión es la más banal: hay que aprender! No sólo el «cómo», sino también el «qué», el «sobre qué» y el «por qué». Ya que estamos hablando de los comienzos de los autores, es conveniente asegurarse de que la cabeza no se queda demasiado atrás. Y sucede, oh, sucede!

«La fotografía en sí no me interesa. Sólo quiero captar un poco de realidad.

Henri Cartier-Bresson

Feliz rodaje!

Las tomas de estudio aunque sólo haya un par de luces de caja blanda en una habitación normal deberían, si es posible, estar llenas de algún contenido alegórico, ya que su significado literal corre el riesgo de ser trivializado. Una máscara de los vivos y de los sin vida, una chica desnuda y una enmascarada al mismo tiempo, una madre y un niño… aquí se amontonan varias preguntas «eternas» a las que los fotógrafos darán respuesta hasta el final del siglo. Como en la época del cine, los oscurecimientos o aclaraciones locales cuando se hacían en la impresión siguen siendo medios expresivos muy potentes. Todo el borde derecho del encuadre está oscurecido, y las caras de la niña y la muñeca están resaltadas.

Cámara Canon EOS 5D, 70-200/4L a 105mm, ISO 200, 1/125 c, f/11, modo manual.

Una de las historias que vemos decenas de veces al día, pero esta vez he conseguido sacarla del flujo visual. El plano se divide en una serie de partes ambiguamente relacionadas, y sus correlaciones constituyen su principal interés, aunque la yuxtaposición obvia del toldo escarlata en la parte superior y su reflejo en el espejo redondo ciertamente dominan. El encuadre tuvo que ser ajustado en Photoshop aclarando el borde de la cortina inclinada y, por el contrario, oscureciendo los detalles blancos cegadores a la izquierda del toldo para que no sean la parte más brillante del encuadre. Tomada a la carrera en una calle comercial de Kemer, Turquía.

Canon EOS 5D, 24-105/4L a 47 mm, ISO 200, 1/200 c, f/9, compensación de la exposición -1/3, prioridad a la apertura.

El trabajo creativo en el estudio requiere imaginación, facilidad de movimiento, ausencia de pereza y, a veces, gamberrismo temerario. Los detalles expresivos son muy importantes, como las pestañas postizas y la diadema improvisada. El monocromo elimina la información de color innecesaria y ayuda a crear una imagen monolítica.

Foto de Yegor Narizhnyy.

Canon EOS 5D Mark II, 70-200/2.8L a 95mm, ISO 100, 1/200 c, f/9, modo manual, luz de estudio.

A menudo ocurre que tomas un espacio que te gusta y luego, al mirar la foto en el monitor, te das cuenta de que no es un encuadre, sino un buen fondo para una toma. Hice esta toma, inspirado por el diseño gráfico de las sombras y las columnas, pero podría haber sido que si no soplara la brisa y el mantel de la mesa del fondo no se arreglara, la toma se hubiera salido del plano y hubiera pasado, como muchas, a los archivos de «Lugares donde no pasa nada». Primera conclusión: cuando dispares, sé consciente de las condiciones cambiantes de todos los elementos del encuadre y responde de forma rápida e intuitiva. Segunda conclusión: hacer más tomas. Esta fue una de las cinco tomas, y aunque todas fueron tomadas en un minuto, todas aparecen diferentes en el monitor.

El uso de Photoshop se ha reducido a reducciones en la saturación del color y ligeros ajustes en el brillo.

Canon EOS 5D, 24-105/4L a 45mm, ISO 100, 1/400s, f/10, compensación de exposición +1/3, prioridad de apertura.

Esta es una sastrería en una calle nocturna de Vientiane, Laos. Los maniquíes con chaquetas inacabadas tienen un aspecto bastante significativo por la noche, bajo el resplandor sin vida de las luces fluorescentes.

La fotografía nocturna es una reserva inagotable de temas extraños -en el buen sentido- que presentan cosas familiares de forma inusual. No necesitas un trípode para esto – un estabilizador y una cámara que sea tolerable a altas sensibilidades te da mucho margen y te permite mantener una respuesta directa, mientras que un trípode ya requiere un enfoque juicioso. La escena nocturna, al menos en color, se ha transformado por completo con el paso a la tecnología digital: en la regla de cálculo, habría sido necesario hacer una docena de tomas con un buen medidor de puntos, pero ahora sólo se necesita una toma rápida y una corrección rápida.

Las tomas nocturnas también son interesantes, ya que permiten conservar la vivacidad del color con luz artificial. Las imágenes RAW son muy recomendables.

Canon EOS 5D, 24-105/4L a 40 mm, ISO 1600, 1/10 c, f/5,6, compensación de la exposición -1, prioridad a la apertura.

De la serie «Vidas de los modelos». El exceso de alegría de las jóvenes modelos en una sesión fotográfica de moda puede dar lugar al tipo de tomas divertidas que reflejan la eterna división de la percepción masculina de la mujer en dos partes desiguales: por encima y por debajo del cuello. En ese momento, pensé que era mejor no meter la cabeza en el marco.

Sin embargo, la imagen salió bastante sana, viva y emotiva, e incluso «calentada» por los colores saturados.

Pentax 645, 75 mm, Ektachrome 100S, 1/60 c, luz de estudio.

Escena callejera de Estambul con el espíritu de un reportaje de los años 50 y 60: un momento fugaz, una mirada expresiva, un preámbulo indistinto. Este estilo fue el resultado de una reflexión creativa sobre las posibilidades técnicas de la fotografía con flash sin largos preludios, y en el centro de su filosofía estaba la fugacidad y la singularidad del momento, la estética de lo fugaz. Es una pena que, a medida que el talento técnico de las cámaras ha aumentado y la capacidad de captar una fracción de segundo en el flujo del tiempo se ha convertido en algo natural, haya dejado de inspirar a los fotógrafos.

Cámara Olympus E-3, Zuiko Digital 14-42/3.5-5.6 a 23mm Ec. 46mm , ISO 100, 1/160s, f/4.5, Compensación de la exposición -1/3, prioridad de apertura.

Los dos protagonistas de esta toma son el muro de la catedral y la silueta negra del primer plano. No está claro cuál de ellos es «más importante», y esta incertidumbre es la razón de la tensión del sujeto.

Curiosamente, el lado izquierdo del encuadre parece un poco hueco, pero resiste activamente los intentos de recortarlo o reducirlo varios intentos han demostrado que es mejor dejar el encuadre tal como está .

Cámara Pentax 67, 90 mm, película en blanco y negro.

El desvanecimiento en blanco y negro suele dar lugar a una textura tan variada como el mar de la vida, y la sitúa en el centro de la imagen. El centro semántico de esta fugaz toma, realizada en un baile de fin de curso, es la espalda involuntariamente musculada de la chica, mientras que todo lo demás le sirve de fondo, si se quiere -su hábitat, y el encaje- como si fuera un pedestal. Al igual que el séquito hace al rey, el centro de la imagen sujeto, composición, etc. también lo hace. d. No vive sin los numerosos detalles subordinados y secundarios que ocupan mucho más espacio en el marco que el propio centro. Así que la conclusión práctica es: no te apresures a recortar las partes poco importantes, y si lo haces, vuelve Ctrl+Z a la versión original y comprueba de nuevo si el encuadre ha mejorado, si no se han perdido algunas partes compositivas poco evidentes pero importantes. Foto de Yegor Narizhny.

Canon EOS 5D, 70-200/2.8L a 70mm, ISO 1250, 1/160s, f/5, prioridad de apertura.

Los detalles arquitectónicos pueden ser expresivos y, a veces, incluso parecen vivos, como aquí, donde una ventana tapiada de una antigua casa romana lleva siglos comunicándose con un agujero circular si supiera de qué se trata . La foto original era mucho más grande por una razón prosaica: en aquella época todavía no había ahorrado para un televisor y el encuadre me demostró que era mejor cortar la imagen en línea recta y no exagerar los cálculos de las proporciones de la pared vacía por debajo y por encima de la ventana.

Pentax 67, 90mm, película en blanco y negro.

Las paredes con textura de los barrios antiguos de Atenas son una auténtica tentación para los fotógrafos. Como siempre, la combinación de colores en blanco y negro resalta la textura, y aquí hay mucha: hojas oscuras y afiladas, paredes ásperas y pasillos encalados. Los planos activos el muro son extraordinariamente expresivos por sí solos, pero requieren un cuidadoso «juego» con los detalles de acento y el entorno. Para obtener resultados interesantes, es necesario practicar y estudiar detenidamente los resultados.

Pentax 67, 55 mm, película en blanco y negro.