Kirill Ovchinnikov: la vida es una serie ininterrumpida de momentos

Kirill Ovchinnikov: artista, diseñador, periodista y fotógrafo profesional Español. Nació, vive y trabaja en Madrid. Formación: Facultad de Letras y Artes Gráficas. Miembro de la Asociación Internacional de Artistas Gráficos desde 1990. Coopera con las principales revistas rusas y extranjeras: «Russian Reporter», «Snob», «Around the World», «Architectural Digest», «Elle», «Elle Decor», «Esquire», «Harper’s Bazaar», «L’Officiel», «N. G. Traveller, Vogue, Wallpaper, etc. Trabaja con agencias y empresas de publicidad.

Exposiciones: Museo de Arte Multimedia «Krymsk. Testigos. Discurso directo» Madrid, 2013 . The Art Photography Show San Diego, EEUU, 2009 . «Moda y estilo en la fotografía» Madrid, 2005, 2009 . «Día de los Muertos en México. El Museo Guggenheim de Arquitectura. Shchusev Madrid, 2008 . Lo mejor de España Madrid, 2008-2014 . CEH «Manezh» Madrid, 1990-1995 .

Premios: Premios Internacionales de Fotografía 2013 . Premios Araña en Blanco y Negro 2012 . Premios Hasselblad Masters 2008, 2010 . Asociación Nacional de Fotógrafos de Prensa 2013 . The Art Photography Show 2009 , etc.

Sus obras se encuentran en museos y colecciones privadas.

Kirill Ovchinnikov. Foto: Lee

Liya Khafizova

COMIENZO

– He dibujado mucho desde que era un niño, me gradué en la escuela de arte y también me interesé por la historia. Después de la octava forma fue a la universidad 1905, no entró. Fue a la escuela de teatro, hizo un año de estudios pero no le gustó. No estudió en ningún sitio durante un año. Me gradué en la escuela nocturna para jóvenes trabajadores en tres meses, obtuve mi certificado de estudios secundarios. Trabajé como moldeador en una fábrica de acero. Estudié en el Departamento de Historia de la universidad. No entró, se alistó en el ejército.

En el ejército, conocí a un artista de la empresa de decoración. Diseñaron el gimnasio y el salón de actos. Me acordé de que yo también soy un artista y empecé a dibujar con ellos. Después del ejército, sabía exactamente lo que tenía que hacer como artista. Trabajó con pintura al óleo. Llevé mis obras al Manege, había una exposición anual de pintores de toda la Unión, y había un comité de admisión, como se dice ahora. Me aceptaron inmediatamente en la Unión de Artistas Gráficos. Después de eso, creí en mí mismo, continué escribiendo. se matriculó en la Facultad de Arte, siguió trabajando y estudiando por la noche.

Se graduó en un instituto y trabajó en una escuela – era un requisito para los jóvenes profesionales. Trabajé durante un año como profesor de dibujo y pintura. Tenía 21 años, solía tener estos grandes frentes que se acercaban a mí y los golpeaba con una regla. Trabajó en . Pintar. Pero entonces se produjo la Perestroika y todo cambió radicalmente. Mi plan de vida – ingresar en la Unión de Artistas, trabajar en encargos, decorar clubes, piscinas y centros culturales – se desvaneció.

PERESTROIK

– Llegaron los años 90. Fui a Izmailovo, intenté vender mis obras a los extranjeros en Vernisazh, participé en exposiciones. En 1996, decidí que la pintura había terminado. Tenía una familia, dos hijos. Tenía que mantenerlos. Lo dejé todo y me metí en el negocio. Comercié en Luzhniki, fui a Turquía por mercancías. Al principio todo era interesante, emocionante: pavos, sacos, lanzaderas. He viajado por toda Turquía. viajaba y escribía diarios. Uno de ellos fue publicado en la revista «El Oso». Pensé: «Eso es genial! Eso es lo que haré en el futuro». Trabajé mucho con Bear e incluso hice algunas producciones fotográficas.

Al mismo tiempo, escribía artículos para otras revistas. Un conocido arquitecto me llevó a la revista «World and Home». Escribí textos sobre interiores. Fue una estupidez. Quería hacer algo interesante, y sobre qué interesante se puede escribir en el interior? Solía inventar historias fantásticas, incluso gané un premio por una redacción sobre un estudio de diseño. Entonces decidí orientarme hacia el arte y empecé a diseñar una revista. Combina las funciones de director de arte y editor de fotografía. Aprendí por mi cuenta y pasé tres años diseñando una revista, y ahí es donde conocí a diferentes fotógrafos. Ni siquiera se me ocurrió filmarlo yo mismo. Actuó como director y productor del rodaje.

REALMENTE NADA

– Un día miré la fotografía y pensé: «La fotografía es como la pintura, pero más rápida». Y le dije al redactor jefe: «Pagamos mucho a los fotógrafos para que hagan fotos. «Cómprame una cámara: haré mis propias fotos!».

El editor no se dio cuenta de que podía perder un director de arte de esa manera. Dijo: «Eso es genial!» – y me compró una cámara. Pasé seis meses con mi cámara, leí un par de libros. Me contrataron inmediatamente para fotografiar una casa, unos edificios nuevos. Salió bastante bien. Así es como empecé a disparar. Salon Interior fue la primera revista rusa de diseño de interiores, y era muy prestigioso entrar en. Me asignaron para fotografiar un arreglo floral. Disparé con un diafragma abierto, lo que era una innovación en la fotografía de interiores de la época. La razón era simple: no me gustaba la artificialidad de las bengalas. Tuve un set de filmación con una lente Fresnel como regalo de Dima Livshits y traté de usar la luz natural tanto como fuera posible. Siempre me ha gustado la luz natural y entiendo cómo funciona. La revista me dijo: «Kirill, tú sabes disparar así, afinar y desenfocar, dispara esto para nosotros…».

Hay una historia interesante detrás de la revista Interior + Design. El fotógrafo que debía retratar al arquitecto y estrella del diseño italiano Giulio Cappellini, que vino a Madrid por un par de días, declinó o se puso enfermo. Me preguntaron por casualidad estaba allí de alguna manera – creo que traje mi primer rodaje . Fui. Tuve que rodar en un salón interior. Un montón de muebles, algunas personas, creo que había un buffet. Estoy pensando: «Dónde disparar?». Afuera es invierno, está nevando. Lo llevé al exterior y lo filmé con su chaqueta y sus botas en la nieve contra su propia publicidad roja y blanca. Es interesante y, en su momento, bastante vanguardista. A todo el mundo le gustó y se publicó.

Como Cappellini me pidió que le llevara las fotos, corrí al día siguiente con los negativos recién impresos. Un fotógrafo italiano que ha sido fotografiado por un millón de fotógrafos echó un vistazo y dijo: «Te compraré estas fotos por lo que vale?». – «Cien dólares», dije, lo primero que se me ocurrió. Lo compró todo, y pensé que era una buena señal para mi primer trabajo. Después, hice muchos retratos para diferentes revistas. Siempre me ha gustado fotografiar a la gente, más que los interiores. Traté el rodaje de interiores – tranquilo y medido – como una sesión de entrenamiento. Preparas la toma, trabajas la luz. Me recuerda a cómo los artistas solían pintar bodegones. Trabajo tranquilo en el estudio.

MÉXICO. LIVAN. PUNTO DE INFLEXIÓN

– En cuanto tuve la oportunidad de rodar viajes, aproveché cualquier oportunidad para ir a algún sitio. Fui a rodar a México para «La vuelta al mundo». También, por cierto, en lugar del maravilloso Boris Bendikov, que fue aprobado pero no pudo ir por una maniobra publicitaria. Él me recomendó. El reportaje «Día de los Muertos en México» se expuso en el Museo de Arquitectura, donde conocí a Andrey Polikanov, director de fotografía de la revista Russian Reporter.

Llevamos años trabajando juntos. Mi primera cámara fue una Asahi Pentax de formato medio, luego una cámara con cardán. Nunca he disparado con una cámara de reportaje y quería hacer un reportaje. Pero realmente no se puede disparar en un cardán a menos que sea una ciudad devastada por la guerra . Fui a TASS y les dije que quería ir al Líbano. Estuvieron de acuerdo, me compré una Hasselblad y me fui a Beirut, donde el bombardeo acababa de terminar. He rodado la historia de Feliz Navidad en el Líbano. Lo envié a un concurso internacional y quedó en segundo lugar. Esta fue mi introducción a la fotografía documental.

– Hoy en día recibes muchas peticiones de retratos e interiores?

– La era de la popularidad total de las revistas ha terminado. Redujeron los pedidos. Cada vez ocurre con menos frecuencia. A veces hago retratos para Vogue y Bazaar. Yo disparo en digital, en color, y no me gusta mucho. Ahora mismo estoy en un punto de inflexión. No hay muchos clientes que necesiten algo inusual, creativo. La mayoría de la gente quiere lo claro y lo estándar.

– Pero todavía hay clientes que quieren algo fuera de lo común?

– Para el libro «El viaje de Kargopolsky», lo rodé como siempre he querido: no como un producto, sino como arte. Ni siquiera se trata de ser inusual, se trata de confiar en tu gusto y en tu mirada, de no tener un marco artístico. Cuando dicen «no queremos arte», significa que no hay arte.

– Es una historia preciosa!

– Lo mismo ocurrió con la central hidroeléctrica de Sayano-Shushenskaya para Rosgidro, cuando formaba parte del proyecto People of Light.

FOTOGRAFÍA Y PINTURA

– ¿Su formación como «pintor» le ayuda o le dificulta como fotógrafo??

– Lo primero que se me ocurre cuando voy a hacer una imagen es cómo colocar los elementos en el marco o en el lienzo. En ese caso, no hay diferencia entre la pintura y la fotografía. Lo que cuenta es la colocación y la luz.

– Imagina que tienes chicos de unos 12 años que vienen a estudiar. ¿Cuál es la primera tarea que les darías?? ¿Por dónde empezaría mi primera clase de fotografía??

– De la historia del arte y el dibujo. Les haría dibujar una pirámide, un cubo y una pelota. No me propondría hacerlo como en la escuela de arte -allí suelen ponerse las pilas y enseñar el trazo- me limitaría a la línea. A continuación, sugeriría hacer un boceto de un paisaje in situ. Porque un boceto es sólo para captar la esencia y transmitir la imagen. Cuando empecé a fotografiar, siempre traté de entender la diferencia entre la fotografía y la pintura. Tratando de entender qué es la fotografía. He mirado muchas fotografías diferentes.

– Cuéntame cómo haces los retratos. El retrato me parece el género fotográfico más difícil, a pesar de su aparente sencillez.

– Un buen retrato se hace interesándose por ambas partes: el retratado y el retratista. El género del retrato no ha cambiado desde tiempos inmemoriales. Los pintores tardan mucho en hacer un retrato, la fotografía es mucho más rápida. Como antiguo pintor, me gusta. Reduce el tiempo. Un artista debe encontrar la forma, hacer los espacios en blanco y, tras mucho trabajo y esfuerzo, producir un retrato. Pero tiene más tiempo para transmitir el estado de ánimo. Un retrato pintado ha hecho el círculo de lo realista a lo abstracto. En general, la pintura ha cerrado el círculo y se ha acercado a lo abstracto. Una de las razones por las que dejé de pintar. Para mí, lo abstracto es el fin del arte. Creo que cada forma de arte tiene su propio significado, su propio carácter distintivo y funcional, su propio propósito claro. Ahora la fotografía también ha hecho un círculo, y se ha empezado a hablar de si la fotografía es necesaria, de lo que es la fotografía en general..

Para mí la fotografía es el momento, el alma del momento, la esencia del momento. El tiempo que se da para un retrato no puede ser muy largo, pero tampoco puede ser muy corto. Las palabras de Paolo Roversi están muy cerca de mi corazón: si no hay luz, no hay imagen. Cree que cuanto más largo sea el tiempo de exposición de un retrato, más se capta el alma de una persona en la película. Creo en ello. Un retrato tomado a 1/2000 es diferente de un retrato tomado a 1/8. El tiempo y el proceso de exposición probablemente transmiten algo. Quizás la conexión entre el retrato y el retratista, la atmósfera que surge.

– Me parece que si no existe esa conexión, tampoco se consigue un buen retrato: es aleatorio o formal. En mi opinión, no hay recetas preparadas, no se puede derivar una fórmula para una obra maestra, escribirla en un papel y transmitirla como la única forma posible de «preparar» un retrato.

– Estoy de acuerdo. Es posible que una exposición muy larga adquiera algo perfecto, pero pierde su calidad comercial.

– Seguro que lo has experimentado cuando no te gusta lo que tienes. Porque en tu mente hay un ideal, una obra maestra a la que intentas acercarte?

– Sí, lo he visto, pero es discutible. Una foto es un momento. Un retrato no puede convertirse en un retrato para la eternidad. Una fotografía perfecta sólo puede serlo durante un periodo de tiempo determinado.

– ¿Cuál es su tarea como retratista??

– No tengo ningún objetivo global cuando hago un retrato. Para mí un buen retrato es un retrato sin nada superfluo. Si puedes salirte con la tuya, el retrato es bueno, es bueno.

– Pero no se puede decir que el retrato y la persona a la que has disparado sean 100% iguales?

– No puede ser demasiado largo, pero tampoco demasiado corto. Porque los seres humanos son diversos, y es imposible plasmar su diversidad en un solo retrato. La mirada humana capta la diversidad de la otra persona. La mirada se puede comparar con mil fotografías. La mirada es tridimensional, tiene la cualidad de idealizar, de imbuir a una persona de cosas que no posee, de captar el estado de ánimo y la atmósfera de una persona. Y eso no lo puede hacer una cámara, una película o una matriz. La técnica tiene posibilidades limitadas, pero el autor, con trucos técnicos, puede empujar los límites de la percepción y transmitir de alguna manera la atmósfera y el estado de ánimo. Si funciona, ya es bueno.

– ¿Tiene una técnica secreta, un truco que utilice para hacer retratos??

– No, se lo cuento todo a todo el mundo. No tengo ningún truco especial. Simplemente no fotografío a la gente en posiciones antinaturales, posturas antinaturales, les hago saltar y hacer cosas antinaturales a menos que sea parte del concepto . Suelo decirle a la persona que se siente o se ponga de pie como quiera, y que piense en lo que quiere. A veces, si una persona no puede hacerlo, intento ayudarla.

– ¿Es necesario que un fotógrafo de retratos sienta algún tipo de emoción hacia la persona que está fotografiando??

– La condición antes de tomar la foto es muy importante. Debe ser equilibrado y desapasionado. Incluso si las cosas no funcionan, no hay contacto con la persona que estás representando, tienes que estar tranquilo y fingir que no ha pasado nada. Tienes que aprender a disparar en un abrir y cerrar de ojos. Conozco a fotógrafos que agotan sus personajes hasta la extenuación. La técnica «en el momento» permite pillar a la gente con la guardia baja, y no tienen tiempo de reaccionar. Las emociones pueden interponerse en el camino. Los amigos y la familia son más difíciles de fotografiar: estás atrapado en una relación estereotipada. Los desconocidos son más divertidos de fotografiar. El proceso de rodaje se convierte en un proceso de reconocimiento y descubrimiento. La primera mirada es la más verdadera. Lo compararía con lo fácil que es fotografiar un país extranjero y lo difícil que es fotografiar el propio. Te gusta un país extranjero, todo es nuevo para ti y te das cuenta de cosas que la gente que vive allí no.

– Estoy de acuerdo, lo más difícil de fotografiar es el campo, la ciudad donde vives. Tal vez por eso tenemos pocas fotografías interesantes de Madrid, aunque hay muchos fotógrafos de talento que viven aquí.

– Sí, Madrid es difícil de fotografiar. Especialmente por su propia voluntad. Es más fácil trabajar por encargo. Entonces tienes un plazo limitado y un objetivo claro. Tienes miedo de defraudar a la gente, quieres mantener tu marca y reputación, quieres superarte a ti mismo, quieres ganar dinero. Hay una fuerte motivación.

– ¿Y qué pasa cuando te das una tarea?

– Para eso hay que estar aún más concentrado, hay que reunir la voluntad..

BELLEZA Y ARMONÍA

– Su tema interior es el que es?

– Lo busco. En realidad, existe un tema de este tipo, pero aún no le he encontrado un uso. Siempre busco la belleza, sea cual sea la fotografía que realice. Incluso cuando todavía no era fotógrafo, sino artista. Para mí, la belleza es siempre lo más importante y decisivo que tengo que transmitir. Pero la modernidad exige algo más.

– La belleza es una palabra sucia hoy en día

.

– Lo sé. Y casi me convencieron de que no debía hablar de ello.

– Pero no me has creído?

– Casi me lo creo.

– La belleza es una palabra polisémica, de múltiples capas. Hablamos de belleza o armonía?

– Son casi sinónimos. La belleza es la armonía en todo: el color, la luz, las proporciones. La armonía es más amplia que la belleza. La belleza es una palabra manida, escupida y pasada de moda. Sigo pensando que una verdadera obra maestra debe gustar a todo el mundo, independientemente de sus creencias, edad o cualquier otra cosa. Si es una verdadera obra maestra, gustará al fontanero, al carpintero, al profesor de física y al crítico de arte. A todo el mundo le gusta una obra maestra.

– ¿Qué crees que es una obra maestra??

– En mi opinión, una obra maestra es la armonía. Esto es fotografía de verdad. Un momento importante. La composición perfecta. Perfecta armonía de luz y color. Contenidos comprensibles y cercanos a todo el mundo. Todo el mundo sigue conociendo obras maestras que no son tan revolucionarias como evolutivas y armoniosas. Son comprensibles para cualquier persona. Y lo que está cerca de los críticos puede ser una innovación barata, comprensible sólo para un círculo limitado.

– Me parece que el crítico, al estar ampliamente informado, compara cualquier obra nueva con lo que ya ha sido, y trata de encontrar su lugar y definición. A grandes rasgos, marcar e inventariar. ¿Cuántas modas y tendencias ha habido en nuestra memoria?. Van y vienen, a pesar de la pasión universal por ellos. Son más bien experimentales, exploratorios. ¿Hay que seguir siempre la moda??

– Pero tienes que hacerlo. Aunque no siempre es necesario.

– Tu fascinación por la cámara cardánica, por filmar en película, ¿no está impulsada por el deseo de alejarte de la corriente principal y hacer algo propio??

– Más bien no. Empecé a fotografiar con una cámara de gran formato porque fotografiaba interiores y arquitectura. Y una vez que empecé a filmar, me di cuenta de la belleza de la cámara y de lo que puede hacer. No podía separarme más de él.

– Has fotografiado a Krymsk con una cámara gimbal?

– No, el Hassel, como el Beirut de la posguerra. Krymsk es un ejemplo de la elección correcta de la estrategia y la solución técnica para una tarea determinada. Llegué a Krymsk el cuarto día de la tragedia. Rápidamente me di cuenta de que hay que disparar dentro de las casas y hay que disparar con color. Puedes ver todo lo que hay en la casa, qué nivel ha alcanzado el agua, qué ha sido dañado. Yo puse a mis héroes, yo elegí el lugar. Grabado y filmado al mismo tiempo. Hice fotos rápidamente, porque después de un rato, se me escapaban de la cabeza y empezaban a posar. Empezó a filmar a la gente y se dio cuenta: son testigos. Cada uno cuenta su propia historia – nosotros nos quedamos con el panorama general. Hacía mucho calor. Caminé muchos kilómetros en un día. No fue fácil ni física ni psicológicamente.

– En Kargopol volviste a la cámara gimbal. ¿Cree que ha completado su viaje a Kargopol?*

– No, no creo que haya completado el proyecto. Siempre tiro algo para mí en cualquier proyecto. Para ser más precisos: lo filmo todo para mí. En cada proyecto trato de fotografiar lo máximo posible para la tarea que se realiza, y no pierdo la oportunidad de fotografiar algo interesante además del encargo. Me encantaría volver a Kargopol y hacer algunas historias más «humanas». Estoy buscando oportunidades. Hay mucho que ver. Sabes, siento que estoy al principio de mi viaje. Todavía no he formulado mi tema interior.

– Así que vivirás una larga vida.

«Viaje a Kargopolskoe. Siete rutas por las tierras del norte de España con el Museo Histórico-Artístico y de Arte de Kargopolsky. Metro.El programa «Primera Publicación» de la organización benéfica sin ánimo de lucro «Charity Fund V. Potanin», 2014. 836 s.: 773 il. El libro ganó el concurso nacional «Libro del Año» en 2014 en la categoría «Libro de Arte». Ovchinnikov trabajó en el proyecto junto con otro fotógrafo, Sergei Melikhov. Sergey filmó la vida de la gente y los rituales, Kirill la arquitectura y la atmósfera. Redactora jefe Liliya Khafizova. Director artístico Evgeny Korneev.

Igor y Olga Gorbachenko. Su hijo Stanislav. «Tenemos once hijos, los más pequeños fueron enviados al campamento. Gracias a Dios la casa sobrevivió. Aunque estamos en la casa

En mi río vivimos. En el ático había. La ayuda viene de muchas personas, diferentes. Llevan tanto comida como ropa. Gracias a todos. Tenemos una gran familia, nos las arreglaremos. Calle Embankment 16.

Rodaje para w

El reportero Español

Lyosha, vecina de Albina: Sí, la conocía, solíamos pasear juntas. Son nuevos aquí. El tío Jura desde el ático hizo un agujero, quería sacarlos. Pero no a tiempo. Todos gritaron y gritaron, y luego se detuvieron. No pude saltar al agua desde el ático, la corriente era demasiado fuerte. Y la ventana está totalmente sumergida. Estaba sentado en el ático de al lado, lo vi todo. Calle Sovetskaya 218

Rodaje para la revista Russky Reporter

Ovchinnikov