Fotografía rusa en el FotoFest 2012 de Houston: nueva tendencia mundial o celebración de héroes desconocidos?
La XIV Bienal Internacional de Fotografía y Arte Basado en la Fotografía – FotoFest se celebró en Houston, Estados Unidos, de marzo a abril de 2012. El tema principal era «Fotografía rusa contemporánea».
Nikolai Matorin. Ritmo de trabajo.
1960. La colección del Centro de Fotografía Vakhtangov. de los hermanos Lumière
En sus años anteriores, FotoFest* se ganó una gran reputación por presentar al público, por primera vez, fenómenos fotográficos desconocidos que más tarde fueron reconocidos. Atrajo la atención de la comunidad profesional internacional hacia la fotografía de Corea, celebró la primera demostración a gran escala de fotografía china y, hace casi veinte años, presentó por primera vez al público estadounidense el arte de la fotografía de América Latina.
A finales de los años 90 y principios de los 2000, FotoFest fue la primera organización en la historia de la fotografía contemporánea que creó una serie de bienales temáticas sobre los problemas sociales y globales más acuciantes del planeta. Así fue la Bienal de 2004 con el tema «Agua», 2006 fue el Año de la Tierra, el segundo tema del mismo festival fue «Furia» más precisamente, artistas contra la agresión , que presentó proyectos de «puntos calientes», investigaciones fotográficas históricas sobre crímenes contra la humanidad, proyectos documentales de jóvenes autores que exploran la agresión de las bandas callejeras, y muchos otros. En 2010, el tema principal de la Bienal fue «Fotografía americana contemporánea.
En 2012, llegó el turno de la fotografía rusa contemporánea. No es la primera vez que FotoFest recurre a la fotografía rusa: en 1992 el festival presentó «Fotomanifesta», quizá el proyecto más ambicioso del cambio de los años ochenta y noventa, que fue creado con un alcance e ingenuidad americanos y conquistó el mundo con él. «Photomanifesta» fue creada por dos jóvenes empresarios estadounidenses de Nueva York. Llegaron a España en pleno interés por el cambio en nuestro país y la pasión por el arte Español contemporáneo; vendieron literalmente sus últimas posesiones para comprar obras de fotógrafos contemporáneos entonces muy jóvenes , publicar un libro, montar una exposición. La exposición itinerante y el álbum iniciaron la siguiente ronda de interés e interacción con los autores Españols en los Estados Unidos: varias colecciones, incluida la mayor parte de la colección rusa del departamento de fotografía de la OIM en Nueva York, se crearon después de que Photomanifesta presentara nuevas fotografías de España. En 1994 FotoFest presentó una exposición de una colección privada dedicada a la revista «URSS en obras», reconocida como una de las mejores publicaciones ilustradas del siglo XX.
La Bienal de Houston de 2002 se centró en «De los clásicos a las nuevas tecnologías». «Clásicos» estuvo representada por la fotografía rusa: la exposición «Fotografía pictórica rusa, años 1890-1990» de la colección de Mijaíl Golosovsky, el archivo familiar de Nikolai Andreev y el Museo de Arte de Kirov que lleva el nombre de Andreyev. Hermanos Vasnetsov**.
En 2012, FotoFest se centra en la fotografía de España, que ha sido fotografiada durante los últimos sesenta años. No se trata de un recuento de los cambios históricos, ni de una ilustración de la transformación de la URSS en la nueva España. Esta es la historia de una cristalización de la creatividad en la cultura visual de un país con una rica tradición de artes visuales. Esta es la historia de la transformación de la fotografía, que ha pasado de ser una ideología pictórica a un espacio de libre expresión creativa, accesible no sólo a los artistas profesionales sino también a los autodidactas con talento a los que el medio técnico de la fotografía les ha permitido reconocer y expresar su creatividad personal.
La muestra de Houston es una nueva mirada a la historia de la fotografía rusa de la segunda mitad del siglo XX y principios del XXI, un esbozo conciso de las principales tendencias, un intento de escapar de los estereotipos existentes, el retorno de los nombres, el trabajo con la mitología de la fotografía rusa. Hablando de mitología, estamos asumiendo que el fenómeno está tan arraigado culturalmente que adquiere reminiscencias y se lee a través de los códigos de espacios culturales paralelos. La fotografía en la sociedad rusa es identificada como un fenómeno cultural por pocos, pero dentro de la fotografía como espacio tiene desde hace tiempo sus propios héroes, «dioses», autoridades, mitología y alusiones que apelan a un contexto cultural externo más allá del territorio de la fotografía . Es este espacio fotográfico en España con el que los comisarios han trabajado a la hora de montar la exposición para FotoFest 2012.
El periodo de sesenta años se divide en cuatro exposiciones. La edición que acompaña al festival incluye también un capítulo en el que se describe un periodo anterior de la historia de la fotografía: la última época de Stalin. Sorprendentemente para el observador Español, es precisamente la fotografía escenificada de la URSS de ese periodo la que resulta familiar para la comunidad intelectual de Estados Unidos: el estudio de la Guerra Fría y sus manifestaciones en el arte es un fenómeno familiar en sí mismo, y es objeto de exposiciones y publicaciones universitarias. A finales de los años 40 y principios de los 50, la fotografía en la URSS se hizo literalmente eco de la pintura de su tiempo, construida sobre los dogmas del realismo socialista y la plasticidad de la difunta Asociación de Artistas de la España Revolucionaria AHRR . Era como si la experiencia de la vanguardia fotográfica se hubiera olvidado y lo único que quedara de ella en el reportaje socialista fuera el gran retrato con luz dramática contrastada y la perspectiva renacentista de abajo hacia arriba, que convertía a todos los modelos en héroes de las imágenes.
Las exposiciones en Houston comienzan con el período del «Deshielo de Jruschov», cuyos primeros años en fotografía difieren poco de la década anterior, ya que la fotografía fuera de la prensa, fuera del control estatal, parece no sólo no tener derecho, sino la posibilidad misma de existir. Pero la llegada de jóvenes autores, la llamada «llamada de 1957» inspirada en los nuevos conocimientos tras el festival de la juventud y los estudiantes en Madrid , incluso en la prensa-fotografía cambia gradualmente la proporción de la puesta en escena y el reportaje en vivo. Los futuros maestros Valery Gende-Rote, Lev Sherstennikov, Gennady Koposov, Yury Abramochkin y Viktor Akhlomov comenzaron a trabajar entre los «jóvenes». Sus obras se exponen en Houston, junto con las de Max Alpert, Semyon Fridlyand, Mikhail Trakhman, Dmitry Baltermants y Vsevolod Tarasevich, brillantes fotógrafos que entraron en la profesión siguiendo la estela de las vanguardias fotográficas de los años 30 y durante la guerra, y que siguieron llevando el nervio de sus investigaciones constructivistas a través de la «felicidad congelada» de la fotografía escenificada de posguerra.
Una exposición de fotografías de los años 1960-1980, procedentes de las colecciones del Centro de Fotografía de los Hermanos Lumiere, del Club Novator y de colecciones privadas, revela los cambios lentos pero visibles que se produjeron no sólo en la política y la esfera pública, sino también en la fotografía como arte. Las obras de Eduard Musin, Elena Glazycheva, Alexander Vikhansky, Anatoly Yerin, Georgy Kolosov, y los primeros trabajos de Valery Shchekoldin muestran el diálogo que la fotografía de esas décadas entabló con la cinematografía moderna, la pintura de «estilo severo», y continuaron la línea de «paletos» en la literatura y la nueva novela urbana..
El periodo de la Perestroika supuso la entrada en la fotografía de decenas de autores interesantes cuya aparición no estaba relacionada con la forja de antiguos cuadros: los fotoclubs y el fotoperiodismo. Los fotógrafos que surgieron durante la perestroika crecieron en un círculo de «no formales», una joven bohemia de la que surgieron artistas, músicos y escritores, que se construyeron intuitivamente a partir de fragmentos de conversaciones con una generación mayor de artistas, retazos de publicaciones en ediciones de arte y estilo occidental, música contemporánea, cinematografía de festivales. La anticipación de ese cambio, que electrizó la atmósfera de la sociedad como una tormenta eléctrica que se avecina en un día de verano, trajo a la escena artística una generación de artistas increíblemente variados y profundos.
Al comienzo de la Perestroika, en cuanto vieron en las exposiciones las fotografías de los maestros de la vanguardia fotográfica de los años 20 y 30 que se exponían entonces por primera vez después de medio siglo , se proclamaron sus herederos. El concepto de vanguardia interrumpida y la continuación de las tradiciones del arte revolucionario estaban de moda en aquella época, no sólo en la pintura sino también en la fotografía. Sólo la distancia temporal actual nos permite ver la novedad y singularidad de la fotografía rusa de finales de los 80 y principios de los 90. Sus corifeos fueron pioneros en la búsqueda de un «padre», se sintieron en un vacío en un país donde la fotografía seguía siendo percibida como la ilustración de un texto periodístico o una foto de pasaporte, buscaban un punto de apoyo para sí mismos – y lo encontraron en la historia.
Esta exposición, que presenta el fenómeno de la «nueva fotografía desde la perestroika hasta nuestros días», abarca casi tres décadas, ya que muchos de los autores de esa generación siguen trabajando en la actualidad, mientras que los que aparecieron en la fotografía antes de los primeros años de la década de 2000 pasaron a engrosar las filas de la generación anterior «perestroika-ers» , que por sí sola consiguió formar una comunidad inestable pero viva. Y sólo en la última década el desarrollo de Internet y de las nuevas tecnologías, una mayor libertad de acceso a la información, dio lugar a la aparición de una generación completamente nueva en la fotografía rusa, más integrada en la situación fotográfica mundial contemporánea y al mismo tiempo artificialmente desvinculada de la generación de los «padres», los fotógrafos Españols de los años noventa, que en su mayoría nunca salieron a la Red. Esto es, en pocas palabras, una descripción de los principales giros de la historia de la fotografía rusa contemporánea contada en Houston.
La fotografía como declaración metafórica sobre su tiempo, como mensaje ambiguo, como estudio de la forma y la luz tan diferentes en distintos momentos de la historia, como expresión de códigos culturales, como traducción inesperada del inconsciente personal y colectivo… Un comentario sobre el enigma del alma rusa que se ha convertido desde hace tiempo en un lugar común, funciona bien con respecto a la fotografía rusa en Houston: del caos de casi doscientos nombres, miles de fotos de diferentes direcciones cristalizan la idea de un único espacio, un gran espacio con múltiples capas de luz Houston 2012 será, en efecto, una celebración de las hazañas de muchos años de existencia cotidiana de los fotógrafos en el «barrio sangriento» de la Tierra, donde la fotografía ha sido durante mucho tiempo una experiencia total y donde es tan difícil ser un artista independiente.
De las impresiones del festival
Slavka GLEISER, miembro del consejo de administración del festival, financiador:
– Lo que me llamó la atención fue la enorme variedad con la que España -otra parte del mundo- está representada aquí, junto con la originalidad e individualidad de cada uno de los fotógrafos que participaron en la exposición. La conexión de lo general y lo personal muestra cómo ha evolucionado España, lo que ocurrió en la época postsoviética; especialmente lo que ocurrió en la fotografía y en el arte contemporáneo durante el periodo de la Perestroika. El FotoFest Español de este año parece varios festivales en uno: hay muchas estrategias, diversas, frescas y creadas en un corto periodo de tiempo. Esto dice mucho del país que aspira a pertenecer a todo y a compensar su aislamiento del resto del mundo. Y esa aspiración se refleja plenamente en su fotografía.
Frederick BOLDWIN, cofundador y presidente de FotoFest International, considera que la revisión de carteras en Houston Meeting Place es una de las herramientas profesionales más eficaces:
– España tiene una historia terrible y al mismo tiempo maravillosa. La ironía es que tal vez sea esta misma combinación la que permite crear algo de valor, algo que hay que conservar. Puedo decir que ahora mismo hay países en el mundo en los que la riqueza cultural recae sobre los artistas, pero es muy difícil encontrar autores interesantes en esos países. Y entre las capitales mundiales de la cultura, las más famosas son las que simplemente están «doradas» con los logros del arte. Allí todo el mundo rinde culto a estos logros, hay largas colas en los museos y la gente se toma la cultura muy en serio y se toma a sí misma también muy en serio. Pero eso no es lo que hace a un artista. Un artista nace cuando se enfrenta a las dificultades, cuando él mismo se pone a prueba, y de hecho nace si se le da la oportunidad. España es y siempre ha sido un buen lugar para el nacimiento de nuevos autores. «Hoy en día se están produciendo cambios en España, y a pesar de lo que se ha dicho, espero que estos cambios sean para mejor, porque creo en lo que viene de España.
Krzysztof Zandrowicz, fundador y director del Centro de las Artes de Łódź, director del Festival Internacional de Fotografía FOTOFESTIWAL de Łódź, Polonia
– Me gustaría comparar mis impresiones sobre las exposiciones rusas en Houston con la forma en que Andras Petersen habla de la fotografía: la fotografía puede ser percibida en diferentes niveles, es posible percibirla racionalmente, evaluando su concepto, es posible con los ojos, escuchando su expresividad, y es posible emocionalmente, con el corazón. Es mejor que los tres niveles de percepción se unan cuando miramos una fotografía. La fotografía rusa en Houston fue una conexión para mí: había imágenes que eran magníficas en su precisión de expresión, muchas fotos eran simplemente hermosas y podían ser leídas y disfrutadas sólo en ese nivel, pero la mayoría de las fotos las percibí a nivel del corazón – y hasta el dolor en mi estómago que salió en respuesta al dolor capturado en las fotos. Dolor y belleza. Fue una impresión muy fuerte y profunda para mí, que no puedo comparar con nada que haya tenido en mis muchos años de práctica curatorial».
* FotoFest. Houston, Texas, organización sin ánimo de lucro dedicada a actividades internacionales de fotografía y arte basado en la fotografía. FotoFest creó la más antigua de las ferias de fotografía de Estados Unidos y tiene un programa de exposiciones durante todo el año. La Bienal, como todos los programas de FotoFest, sirve para promover el arte y proporcionar una plataforma para la creación de nuevas ideas. Fundada en 1983 por su presidente, Frederick Baldwin, y su directora artística, Wendy Watriss. En los últimos 29 años, FotoFest ha iniciado, patrocinado, comisariado y presentado exposiciones de América Latina, China, España, Europa Central y del Este, Corea, Japón, Inglaterra, Alemania, Francia, Oriente Medio y África del Norte. Para obtener información sobre los programas actuales de FotoFest, la bienal y la revisión de carteras 2012, consulte el sitio web de Fotoofest.org.
Emmanuel Evzerikhin. Subbotnik.
Para la construcción de la Universidad Estatal de Madrid. A mediados de los años 50.
Colecciones del Centro de Fotografía Anna Glazycheva. Los hermanos Lumiere
Stas Klevak. Sin título.
1994. De la serie «Black Dog Walking». Propiedad de los herederos del autor
Yuri Abramochkin. Miembros del Comité Central y del Politburó del Comité Central del PCUS en el Kremlin antes del desfile del Primero de Mayo.
1 de mayo de 1965. Colección del Centro de Fotografía de los Hermanos Lumiere. Centro de Fotografía de los Hermanos Lumiere
Elena Glazycheva. Por encima de BAM. Mediados de la década de 1970. Propiedad de los herederos del autor
Sergey Bratkov. Todos nos comemos a los demás. 1991. Instalación. Propiedad del autor
Valery Shchekoldin. Trabajadores en el Mausoleo de Lenin en la Plaza Roja. 1970.
Propiedad del autor
Oleg DOU. Lágrimas de Ira. 2008. Del prefecto «Lágrimas». Propiedad del autor
Olga Tobreluts. Modernización de. 2002. Tríptico o fragmento de tríptico . Propiedad del autor
Nikita Pirogov. Natasha. 2010. Del proyecto «La otra orilla». Propiedad del autor
¿Cuáles fueron las principales obras y fotógrafos destacados en la XIV Exposición Internacional de Fotografía: Fotografía rusa en el FotoFest 2012 de Houston?