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Reseña del Festival de Fotografía: Photobiennale 2012

La Photobiennale es el mayor festival de fotografía Español. Se celebra cada dos años, alternando con «La moda y el estilo en la fotografía» del Museo de Arte Multimedia la antigua Casa de la Fotografía de Madrid . En 2012 la Photobiennale se celebró por novena vez y el público pudo ver más de 60 exposiciones. Todos ellos, según el concepto de los organizadores, debían girar en torno a dos temas: el principal, Enfoque – EE.UU. 2012 fue declarado Año de los EE.UU. en España y de España en los EE.UU. , y el segundo, Cineastas – Fotógrafos y Fotógrafos – Cineastas.

1. Chris Marker. De la serie

Chris Marker. De la serie «Coreanos», 1957

Cortesía del artista y de la Peter Blum Gallery, Nueva York

A diferencia de años anteriores como en 2008, cuando se trajo a Madrid una retrospectiva de Andreas Gursky, y se mostró «La primera flor» -una brillante exposición sobre la historia de la fotografía en color en España, recopilada por los comisarios del MDF- , la Photobiennale 2012 no contó con un elemento tan destacado. Frente a las habituales «marcas de nacimiento» del Festival por ejemplo, sus vagas temáticas y la falta de un marco conceptual común , este año ha producido una impresión de cierta «borrosidad», como si el interés de los organizadores por la idea se hubiera agotado. No encendió -y muchos lo han notado- la habitual energía de ardor creativo y entusiasmo en la presentación de los tesoros de la fotografía. Sin embargo, esta vez también hubo una interesante selección de exposiciones de artistas occidentales, incluidos los que trabajan en la interfaz del arte contemporáneo. Estos fueron quizás los puntos más fuertes de la actual exposición fotográfica.

La modernidad, como sabemos, no es sólo una palabra para describir nuestro presente podría decirse de nuestra época tanto en el siglo XVI como en el XVIII . La modernidad es una etapa especial en el desarrollo de la cultura en la que la sociedad tradicional se derrumba, el valor de todo lo innovador aumenta sustancialmente y el entorno urbano se convierte en una comunidad en constante cambio. La cultura estadounidense es aquí una especie de símbolo principal: siempre ha estado a la vanguardia de la modernidad, tanto en términos positivos como negativos. No es de extrañar, por tanto, que la presentación de los «problemas del presente» se yuxtaponga tan acertadamente con el «tema americano». Para España, con su agitada historia, su perpetuo deseo de alcanzar y superar a todos los demás, su monstruosa experiencia de modernización violenta y, al mismo tiempo, su eterno deseo de abandonar el progreso de las cosas, de congelarse en la comunalidad y la «sobornost», ésta es probablemente una de las ideas más urgentes a considerar.

Varios proyectos de autores tan diferentes, pero en muchos aspectos conceptualmente parecidos, como Stephen Shore, Martin Parr, Taryn Simon, Liu Bolin, Ai Weiwei y Alec Sot, han dado con un acorde coherente de reflexión sobre un tema determinado.

Uno de ellos es Shore’s Amazing Places. Tras viajar por América en los años setenta y publicar Uncommon Places en 1982, Shore fue pionero en varias de las tendencias más actuales de la fotografía conceptual y documental a la vez. Sus instantáneas de las escenas más sencillas de la vida cotidiana tienden un puente entre la época en la que se realiza su obra y nuestro propio tiempo: la fotografía de carretera y callejera de la posguerra, el nacimiento de un interés serio por el color aquí se cita el nombre de Shore junto a William Egleston , la fotografía de investigación «desapasionada» de Becher, la influencia en Nan Goldin, Andreas Gursky y Martin Parr y el interés actual por lo banal como artístico.

Parr fue representado por su famoso proyecto The Last Refuge. Fotos de New Brighton 1983-85″. Aunque un comunicado de prensa dice que la serie ha sido «incluida por el periódico The Guardian en su lista de ‘1000 obras de arte que hay que ver antes de morir'», inicialmente provocó una reacción muy variada. Una parte del público lo tomó como una aguda y cáustica sátira política, otros como una burla a la clase trabajadora que pasa su tiempo en un resort de Brighton en inglés, por supuesto, hay un juego de palabras: la palabra resort significa tanto «refugio» como «centro turístico» . La mirada de Parr combina una ira fríamente desapegada hacia los políticos humillantes? A la locura de los mismos que sucumben a la manipulación? y una admiración por el color, la textura, la belleza de lo cotidiano.

La obra de Parr se hace eco de la exposición recopilatoria «Fotografías y textos» de Taryn Simon, que se mostró al principio del festival, incluso antes de su inauguración oficial. Las imágenes de dos proyectos son especialmente impresionantes: «The Innocent» 2003 y «American Catalogue of the Hidden and Unknown» 2007 . El primero presenta retratos de personas condenadas por delitos ajenos basados en su falsa identificación fotográfica. Las pruebas de ADN salvaron a los posibles delincuentes de la ejecución o la cadena perpetua, pero muchos cumplieron entre 10 y 20 años. «Catálogo americano». – una serie de fotografías de objetos que son los cimientos y las piedras angulares de la vida americana, pero que permanecen «invisibles» para el ciudadano medio y el espectador: el Centro de Almacenamiento de Residuos Nucleares, el Instituto de Criogenia donde se conservan cadáveres congelados en cápsulas especiales a la espera de su resurrección, el cuartel general de la CIA que oculta a la vista una exposición permanente de arte contemporáneo, algunos de cuyos géneros se mantuvieron para promover el «American way of life», etc. Realizada de forma deliberadamente «neutra», «exploratoria» y acompañada de textos bastante extensos, la obra de Simon hace visible lo desconocido, incluida la propaganda y la ideología, explorando la brecha entre imaginación, ficción, manipulación y realidad. Y también entre el texto y lo visual. Simon explora la fotografía como telón de fondo de la vida moderna, señalando su papel en la construcción de nuestra conciencia e inconsciente.

«El hombre invisible», de Liu Bolin, es una exposición que se convierte a la vez en un comentario suave pero muy definido sobre la vida política y social china y sobre los grandes temas del mundo en general y en una fascinante reflexión sobre la naturaleza de la fotografía, explorando las diversas estrategias y tipos de arte mundial, las ilusiones ópticas y las leyes de la percepción. Lo que a primera vista parece una foto en la que se ven todos los detalles, desde la distancia parece un jeroglífico en el que todos los «trazos» y «marcas» se funden en una sola imagen, y la persona alias el autor simplemente desaparece.

«Relentless Beauty» de Soth parecía un proyecto curatorial desafortunado, cuya selección y colocación desdibujaba la sensación de la obra de uno de los más interesantes documentalistas de arte de nuestro tiempo. Narrador y creador de libros-serie, Soth dota a su obra de una extraña cualidad que ya hemos visto con Simon y Bolinh: una exploración irónica de las costuras de la fotografía como «medio», que también es bastante cinematográfica, comprimiendo todo el espacio de una película en un solo fotograma enérgico y complejo.

A partir de las imágenes de Shore, Parr, Simon, Bolinia y Soth, se dibujan sus hilos hacia otros proyectos de la Fotobiennale, recogiendo y cosiendo la propia estructura de la Photobiennale. Por un lado, hacia las exposiciones «de archivo» e históricas; por otro, hacia la confluencia de diferentes formas de arte, esta vez representadas principalmente por el texto, la fotografía y el cine.

Entre los primeros proyectos se encuentra la enorme exposición Nueva York. 1983-1993″ del artista chino Ai Weiwei. Nombrado por la revista Art Review como «el más importante» en la lista final del año pasado de «artistas contemporáneos influyentes», Ai Weiwei fue en su día un autor reconocido oficialmente, pero se convirtió en uno de los símbolos de la oposición china en 2008. El artista recibió una paliza tras apoyar una investigación independiente sobre el terremoto de Sichuan, que incluía la corrupción en el sector de la construcción; entonces fue detenido, su estudio fue destruido y se presentaron cargos de evasión fiscal contra su empresa de diseño. Por suscripción la nación ha recaudado 1 millón para él. Sin embargo, el proyecto en sí, que se mostró en la Fotobiennale 2012, se realizó mucho antes de esos eventos. La exposición cuenta con unas 200 fotos de la ciudad de Nueva York de un total de 10.000 , entre las que se encuentran varias impresiones fotográficas. . Es algo así como las notas de viaje, sólo que no hechas a mano, sino con la cámara, y que se convierten en una enciclopedia de la vida local. El proyecto de Ai Weiwei incluye desde el asombro ante Occidente hasta la documentación detallada de encuentros con artistas, incluidos fotógrafos famosos como Robert Frank, y escenas cotidianas, como la vida de los inmigrantes. El ojo de la desconcertada y confusa figura cultural ajena, procedente de una tradición estética diferente, advierte y refleja paradójicamente algo básico, visceral e importante en Nueva York, al tiempo que revela fotográficamente capas anteriores de lo visual, que la propia cultura tuvo tiempo de olvidar.

La capa histórica de la Photobiennale también incluía al menos otras tres exposiciones interesantes: «From the Heart» de Walter Rosenblum fotografía documental «de orientación social» del alumno de Hine y Strand , «America, a View from the Car» de Lee Friedländer uno de los últimos proyectos del pionero de la fotografía callejera, reflejos en blanco y negro de América en el espejo retrovisor, sorprendentes roll-ups de escenas cotidianas y ángulos inesperados , y «New York City». 1955″, que en su día hizo famoso William Klein rompiendo el precepto de Cartier-Bresson del «fotógrafo invisible», su rechazo a la perfección técnica en favor de la espontaneidad, y el escandaloso reguero de acusaciones contra el autor de 27 años por mostrar a los americanos como demasiado poco atractivos y a Nueva York como un barrio marginal .

También cabe destacar dos exposiciones de «archivo» muy interesantes: «El arte del archivo. Fotos de los archivos de la policía de Los Ángeles» y «Fearless Genius: The Digital Revolution in Silicon Valley 1985-2000» de Doug Menyes. En primer lugar, ambas exposiciones parecen interesantes por el material en sí, la documentación de lo ocurrido. Pero si se examinan más de cerca, plantean la cuestión, que se ha planteado muchas veces en la historia de la fotografía, de la esquiva línea entre el registro, lo social y lo artístico.

«El arte del archivo» presenta un centenar de fotografías tomadas entre los años 20 y 50; los negativos se encontraron accidentalmente en 2001. Las preguntas sobre la transgresión y los límites de lo aceptable, sobre hasta qué punto las imágenes destinadas a un público de expertos y criminólogos empedernidos deben anteponerse al juicio del espectador medio, y sobre las tendencias estéticas inconscientes que el artista inventa o recoge de la nada, surgen al contemplar estas imágenes de escenas de crímenes, pruebas, víctimas, asesinos con ladrones y cadáveres. En un momento dado te sorprendes a ti mismo con una extraña sensación: por alguna razón todo esto es mucho menos chocante que la obra de algún Joel Peter Witkin y sin embargo muestra la cosa real, no especialmente reelaborada por el artista . Tal vez sea porque, incluso en la exposición, la imagen de «archivo-reportaje» sigue percibiéndose como un fondo demasiado familiar.

Cada una de las fotografías de Doug Menuz que el fotógrafo lleva haciendo desde hace 15 años viene acompañada de un comentario muy detallado sobre la historia de varios proyectos de Silicon Valley empezó trabajando con Steve Jobs . Pero es difícil llamar a toda la serie una sola narrativa. Se trata más bien de una colección de historias en las que lo visual y lo verbal juegan un papel igual. A medida que se pasa de una tarjeta a otra, uno se da cuenta cada vez más de que no está ante un simple libro de texto de historia. Poco a poco va surgiendo una imagen sorprendentemente cohesionada de cómo funciona la cultura estadounidense y por qué la innovación ha arraigado tan bien en ella. También hay un eco directo con la disputa «ideológica» entre Klein y Cartier-Bresson sobre la in participación y la in visibilidad del fotógrafo en la acción: Menyuse era un «observador incluido», que pasaba días y noches con sus personajes en sentido literal. Él mismo calificó su proyecto de «búsqueda de antropología visual».

El tema de los archivos y la historia recibió un giro moderno en otras dos exposiciones de la Bienal: «El artista con la mala cámara» fotos de Miroslav Tikhoy y «Nueve ojos de Google Street View» de John Ruffman. Estas exposiciones cuentan dos historias totalmente diferentes y algo opuestas. Una trata de un artista checo de vanguardia relegado a los márgenes de la vida por un estado totalitario. La otra trata de la visión omnipresente, impersonal y a la vez inesperadamente personal de la tecnología moderna, del ruido informativo desmesurado que genera y que impide que la idea de intimidad, distancia y privacidad se haga realidad. Pero ambos plantean la cuestión de la delgada línea que separa la crudeza y la perfección técnica, el amateurismo y la artesanía, la sensibilidad del artista y la locura, el arte y la «basura» estética.

En cuanto al tema de la cinematografía, ese hermano gemelo o hijo pariente de la fotografía, surgió en la Photobiennale no sólo en proyectos directamente dedicados a cineastas concretos por ejemplo, las dos exposiciones sobre Ingmar Bergman . Incluso el aspecto «sencillo» del documental resultó ser «cinematográfico». Así, el sorprendente y persistente proyecto de Peter Hugo «La hiena y los otros» cuestiona la actuación y el juego forzados, lo natural y lo artificial en el mundo social qué es más importante: dejar de torturar a los animales o prestar atención a la pobreza de las personas que muestran crueldad ? . Incluso en «Los Archivos de Los Ángeles» se escucharon atisbos inesperados del tema cuando resultó que los fotógrafos de la policía se pluriemplearon, filmando a los actores de reparto en los estudios de una de las ciudades «más cinematográficas» del mundo e imitando el género del cine negro.

El fotógrafo convertido en cineasta o el director convertido en fotógrafo: el camino habitual del autor del siglo XX. Ya estamos acostumbrados a Sarah Moon, visitante habitual del festival, que este año ha presentado su próximo proyecto «Black Riding Hood». Las series fotográficas de Wim Wenders «Imágenes de la superficie de la tierra», figura emblemática del Nuevo Cine Alemán, que el director inició a principios de los años 80 y continúa hasta hoy, son una especie de «haiku visual». Los planos panorámicos en color de gran formato, «malhumorados» y «atmosféricos», recuerdan a las películas del propio Wenders y al trabajo de los alumnos de Becher, documentando el color como flujo de la vida y los límites del vacío como concepto. Tanto ellas como las imágenes de Chris Marker, director, fotógrafo y filósofo, golpean con la complejidad de una narración, empaquetada en un solo fotograma, detrás de la cual se esconde el enigma del flujo ininterrumpido del tiempo y la profundidad de los fragmentos de la historia de los demás. En Madrid, vimos cuatro series de Marker y varias películas a la vez. «The Koreans» 1957 – un clásico en blanco y negro, realizado durante un viaje a Corea del Norte. El proyecto «What’s Her Hour»?» 2004-2008 – fotos borrosas y subrepticias de un «paparazzi benévolo» en el metro de París, escondiendo su cámara en su reloj de pulsera, riéndose de algo fuera del marco, mirando pensativamente a un lado y a otro algo fuera del marco de la foto. «Inspirado por Durero» es una instalación que retoma grabados antiguos, «Película silenciosa» 1995 y «Gente vacía» 2005 son otras dos instalaciones sobre la no linealidad de la historia y la yuxtaposición de imagen, texto y significado. Y por último, «Runway» 1962 , una película compuesta por imágenes fotográficas, que divide el tiempo en componentes discretos y espacios paralelos, y cuenta la existencia del héroe en tres estratos temporales a la vez.

En cuanto al segmento Español del festival, tradicionalmente se «hunde» en comparación con los espectáculos occidentales. Aquí hubo pocas exposiciones interesantes, e incluso la experiencia moscovita de Harry Gruyere «Madrid 1989-2009» hablaba más de los textos que de la fotografía.

Entre las exposiciones destaca «Obras seleccionadas» de Alexander Sliussarev: sólo obras en blanco y negro de 1966 a 1993., Todo en letra de molde del autor, en su mayoría procedente del archivo familiar. La exposición sorprendió gratamente por el excelente trabajo de comisariado, una cuidada y meditada selección que reunía lo ya conocido y lo nuevo.

«Arkady Shaikhet. Continúa. 1928-1931′ es una exposición realizada por Maria Zhotikova-Shaykhet, nieta del famoso fotógrafo, que evoca una sensación bastante interesante. A pesar de la presencia evidente en casi todos los fotogramas de un himno a la economía socialista -casas nuevas, fábricas de papel, instalaciones industriales-, todos los cuadros de Shaykhet muestran incomprensiblemente todo el trasfondo de estos logros: la pobreza heredada por el nuevo país y la presión inhumana sobre todos los mismos provocada por el nuevo gobierno. Y también la vida ordinaria, cotidiana y privada que lucha contra cualquier opresión, incluso la opresión del Estado, que se ha propuesto rehacer la naturaleza humana. En este sentido, es especialmente interesante observar las tomas de Asia Central. «La máquina del tiempo». Color 1930-1970″ de Vladislav Mikosha es un eco de «Primrose. El camarógrafo, fotógrafo, famoso reportero de guerra y cronista de la vida soviética, que celebró su centenario en 2009, se muestra aquí como uno de los pioneros del color.

El tema del cine en la «parte rusa» estuvo representado por un proyecto para el décimo aniversario de la película «Russian Ark» de Alexander Sokurov y la exposición «Interior. Natura. Pabellón de Vladimir Mishukov fotos del rodaje de «Elena», de Andrey Zvyagintsev . Eso es, quizás, todo lo que hay, y luego están las pequeñas exposiciones de varios grandes artistas contemporáneos en las galerías de Madrid.

El festival en su conjunto deja un regusto poco claro. Después, un crítico reflexivo, refrescando su memoria de todos los proyectos, empieza a ver de repente: La Photobiennale muestra las tendencias básicas de nuestro tiempo, representa realmente una unidad a gran escala. Además, hubo, como siempre, muchas buenas exposiciones de autores occidentales y realizadas por comisarios occidentales MDF siempre ha tenido un excelente sentido del producto acabado que debe llevarse a España . Al mismo tiempo, las propias exposiciones dan constante y habitualmente la impresión de caos y desintegración en partes separadas, la falta de una estructura clara y de un concepto general definido, y también la madura y brillante labor curatorial de los especialistas nacionales y la clara comprensión del lugar de la cultura rusa en el proceso global. No estoy en absoluto seguro de que el propio espectador que no se dedique a analizar las tendencias artísticas mundiales las 24 horas del día pueda conectar «todo junto». Sobre todo porque este año ha tenido que lidiar con varios autores bastante difíciles de digerir y no especialmente orgánicos a nuestra cultura. Y no sé cuántas veces más tendré que decir que es hora de seguir adelante, y si este mensaje será escuchado – o si el festival seguirá estancado como siempre, perdiendo poco a poco el interés del público.

2. i Weiwei. Restaurante en el Lower East Side. 1988

I Weiwei. Un restaurante en el Lower East Side. 1988

© Ai Weiwei. Cortesía de Three Shadows Photography Art Centre

3. William Klein Cuatro mujeres, supermercado, 1955

William Klein Cuatro mujeres, supermercado, 1955 © William Klein

4. Vladimir Mishukov En el plató de la película Elena de Andrei Zvyagintsev

Vladimir Mishukov En el plató de la película «Elena» de Andrei Zvyagintsev

5. Doug Menyes Fearless Genius: The Digital Revolution in Silicon Valley 1985-2000

Doug Menyes Genio intrépido: la revolución digital en Silicon Valley 1985-2000.

Steve Jobs habla del ciclo decenal de la tecnología. Sonoma, California, 1986

3. autor desconocido Mujeres policías practican el tiro en un campo de tiro. 1968

Autor desconocido Mujeres policías practican el tiro en un campo de tiro. 1968

© Departamento de Policía de Los Ángeles Cortesía de Fototeka Los Ángeles

7. Ingmar Bergman en el set de Fanny y Alexander

Ingmar Bergman en el plató de «Fanny y Alexander»

Fotógrafo Arne Carlsson © 1982 AB Svensk Filmindustri, Svenska Filminstitutet

8. Liu Bolin Serie Camuflaje Urbano - 36, 2007

Liu Bolin Serie Camuflaje Urbano – 36, 2007

«Ponte las pilas para mejorar tus conocimientos» © Cortesía de Liu Bolin/Galerie Paris-Beijing

9. Serie de camuflaje urbano de Liu Bolin - 16, 2006

Serie Camuflaje Urbano de Liu Bolin – 16, 2006

Ciudadano y policía #2 © Cortesía de Liu Bolin/Galerie Paris-Beijing

10. Harry Gruyere España. En Madrid. El distrito de Vinzavod. 2009

Harry Gruyere España. Madrid. Distrito de las bodegas. 2009

© HARRY GRUYAERT/MAGNUM PHOTOS

3. Vladislav Mikosha Madrid. 1960-e

Vladislav Mikosha Madrid. 1960-e

12. Stephen Shore Ginger Shore, Causeway Inn, Tampa, Florida, 17 de noviembre de 1977

Stephen Shore Ginger Shore,

The Causeway Inn, Tampa, Florida, 17 de noviembre de 1977

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Herman Lope

Desde que tengo memoria, siempre me he sentido fascinado por la belleza del mundo que me rodea. Cuando era niño, soñaba con crear espacios que no solo fueran impactantes, sino que también influyeran en el bienestar de las personas. Este sueño se convirtió en mi fuerza impulsora cuando decidí seguir el camino del diseño de interiores.

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Comments: 3
  1. Alberto Pacheco

    ¿Qué tipo de fotografías se exhibieron en el Festival de Fotografía: Photobiennale 2012? ¿Hubo alguna temática en particular o fue una muestra variada de diferentes estilos y géneros de fotografía? ¿Cuál fue el enfoque principal del festival y cuáles fueron las opiniones generales de los visitantes sobre las obras exhibidas?

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    1. Jesús

      En el Festival de Fotografía Photobiennale 2012 se exhibieron una variedad de fotografías de diferentes estilos y géneros, desde fotografía documental hasta fotografía artística. Hubo una temática predominante de exploración de la identidad y la sociedad contemporánea, pero también se presentaron obras enfocadas en la naturaleza, el paisaje urbano y la cultura.

      El enfoque principal del festival fue presentar una muestra diversa y relevante de la fotografía contemporánea, fomentando el diálogo y la reflexión entre los espectadores. Las opiniones de los visitantes sobre las obras exhibidas fueron generalmente positivas, destacando la calidad artística y la originalidad de las propuestas presentadas. Además, muchos elogiaron la organización del festival y la oportunidad de descubrir nuevos talentos en el mundo de la fotografía.

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      1. Natalia Ruiz

        El Festival de Fotografía Photobiennale 2012 fue una experiencia enriquecedora que permitió a los espectadores sumergirse en la diversidad y creatividad de la fotografía contemporánea. A través de las diversas temáticas presentadas, se logró explorar diferentes aspectos de la sociedad y la identidad, generando reflexiones y conversaciones en torno a estos temas. La calidad artística y la originalidad de las obras exhibidas recibieron elogios de los asistentes, quienes también valoraron la oportunidad de descubrir nuevos talentos en el mundo de la fotografía. Sin duda, este festival cumplió con su objetivo de promover el arte fotográfico y enriquecer la cultura visual de todos los que tuvieron la oportunidad de disfrutarlo.

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