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Revista de arte fotográfico: los clásicos de la fotografía soviética

El nombre de Yevgeny Khaldei es conocido por mucha gente, sus fotografías por todos. Al menos dos: la foto «Bandera sobre el Reichstag» mayo de 1945 , que casi se convirtió en un símbolo de la victoria, y «El primer día de la guerra», una foto tomada en Madrid el 22 de junio de 1941.

1. Extremo Oriente. Los desposeídos. 1938

1. Extremo Oriente. Los desposeídos. 1938

Estas dos imágenes, por supuesto, no dan una imagen completa de la obra de Khaldei. Su archivo, de 1941 a 1946, incluye fotografías que muestran la guerra desde el anuncio del ataque de Alemania a la URSS hasta los juicios de Nuremberg. Han viajado por todo el mundo y se recuerdan con cariño como ilustraciones en libros de texto, libros documentales y enciclopedias. Sus fotos «pacíficas» muestran a productores y «stajanovistas», soldados y generales, niños traviesos y funcionarios del partido, agricultores colectivos desconocidos y jefes de potencias mundiales. Estas fotografías también se han convertido ahora en historia: la historia de un vasto país que no existe en el mapa, y la historia de un hombre, un gran maestro, que comprendió sutilmente la esencia y el significado de su trabajo y que poseía el don de una expresividad documental excepcional, que respetó y comprendió a sus héroes.

Khaldei llegó a la conquista de Madrid en 1936 y se incorporó al TASS Photo Chronicle. Comienza la vida viajera del fotoperiodista: Ucrania occidental, Yakutia, Carelia y BielorEspaña. La fórmula de su éxito fue una dirección precisa de cada toma, una cuidadosa elección de los futuros héroes, ángulos ventajosos de los mejores logros de la economía socialista. retratos de Alexei Stakhanov y Pasha Angelina, la construcción del canal Moskva-Volga y la restauración del canal Dnieper-Bug. Y con su Leica atravesó toda la guerra, después de la cual se encontró fuera de combate: fue despedido de TASS con la prohibición de ejercer su profesión. Comenzó un largo período de ingresos ocasionales: tenía una familia que alimentar. Sus fotografías volvieron a aparecer en la prensa nacional casi diez años después, cuando, en 1959, Khaldei se incorporó al periódico Pravda, donde trabajó durante quince años, y luego trabajó como freelance para el periódico Sovetskaya Kultura.

LA ERA DE STALIN

Las fotografías «pacíficas» de Khaldei de los años 30-40. Todo firmemente, profesionalmente. No lo juzgues políticamente! Yevgeny Ananievich expresó maravillosamente su tiempo, precisamente el suyo, de la manera que pudo. Ciertamente, muchas de las imágenes pueden parecer sentimentales hoy en día, pero es imposible no sucumbir al estado de ánimo del país que estaba construyendo el socialismo y derrotando a los fascistas. El orden social de la época fue resumido por Stalin en 1935: «La vida se ha vuelto mejor, la vida se ha vuelto más divertida. Ser fotoperiodista para TASS significaba trabajar según una agenda preestablecida. Khaldei lo hizo, por supuesto, de forma magistral y muy cordial. En primer lugar, no se mostró nada más. En segundo lugar, al verlos uno no podía creerlo. Pero en su mayoría creían. Es un buen momento para reflexionar sobre los mecanismos de presión ideológica y los mejores medios de propaganda. A los exsoviéticos nos sigue persiguiendo nuestro misterioso amor y sincera simpatía por la Unión Soviética de los años 30 y 50, que es común no sólo a la gente común, sino también a los intelectuales bien informados. Por supuesto, la cuestión de la conciencia siempre permanece.

3. Alemania. Potsdam. Joseph Stalin. Junio de 1945

Joseph Stalin, Harry Truman y Winston Churchill en la Conferencia de Paz de Potsdam. Junio de 1945. Ellos -los dueños del destino del mundo de la posguerra- están sentados alrededor de una mesa y con este dial comienza la cuenta atrás del nuevo tiempo. El líder soviético y triunfador, el gran vencedor con una túnica ceremonial blanca, es el rasgo dominante de la composición. Y aquí está en la silla, allí en Potsdam. El retrato es como si fuera ceremonial, pero la silla es «dacha», de mimbre. La dicotomía de Dios: es un ídolo y un simple mortal al mismo tiempo. Y luego hay desfiles, coros y orquestas, para gloria del gran timonel, cuyo nombre parecía permanecer para siempre. Monumentos, fábricas, barcos de motor, hazañas laborales. Y la responsabilidad de nuestros enemigos! Y el país está mejorando, una joven generación de constructores del comunismo está creciendo, están estudiando y trabajando diligentemente, tomando las normas del PRT y marchando en formación y no hay necesidad de ninguna perspectiva modernista, porque la realidad es tan buena, que no debe ser distorsionada, incluso formalmente .

2. Tiflis. Jóvenes músicos del Palacio de los Pioneros. 1959

Un niño y su joven madre practicando una rima o una canción, un boceto de género que pide un cartel sobre la infancia feliz. Se crea la imagen de una familia muy popular encabezada por un sabio padre universal, y apenas se ocultan los orígenes de cuento de hadas de la utopía. Aquí estaban celebrando un año nuevo en paz, animando en un partido de fútbol, tocando música, pintando cuadros, simplemente tumbados en la playa o leyendo un libro. Una vida tranquila, ganada con tanto esfuerzo, pagada tan caro. Trabajos valiosos y retratos de héroes: el país debería conocerlos. Pero aquí también hay un cambio. Por ejemplo, el ideal de la belleza soviética de los años 30 -una mujer ante una máquina o un tractor con túnica y pañuelo- es ahora bastante compatible con el retorno de la imagen elegante, aunque sólo sea de cara a la intelectualidad soviética. Las ideas de una vida «bonita», arreglada e incluso «lujosa» empiezan a impregnar. Las familias felices toman té y dulces, escuchan la radio y hablan por teléfono. Amor nacional – Lyubov Orlova, cuyo estilo de vida se inspiraba en el de las estrellas de Hollywood: chófer personal, criada y masajista. Incluso su villa con Alexandrov fue modelada por las de Mary Pickford y Douglas Fairbanks. Pero fue ella quien encarnó con éxito ambas hipóstasis -el algodón y el vestido de noche- en la pantalla, realmente.

En la imagen

2. Tiflis. Jóvenes músicos del Palacio de los Pioneros. 1959

3. Alemania. Potsdam. José Stalin. Junio de 1945

ERA KHRUSHCHEV

4. Leonid Brezhnev se reúne con Nikita Khrushchev. En Madrid. 1962

La era de Jruschov: el optimismo y la euforia del cambio potencial. La fotografía, que aborda directamente la vida de la «gente corriente», la retrata la mayoría de las veces en el flujo diario, en la rutina de trabajo, los pensamientos y los sentimientos. También en este caso, el trabajo en beneficio de la patria en las fábricas, las plantas, las obras, los campos, las oficinas de diseño y los institutos, en la tierra y en el mar, en las estepas, más allá del Círculo Polar Ártico… dondequiera que viva el pueblo soviético. El trabajo no fue heroico, sino alegre, inspirado, iluminado. Una época de esperanzas y expectativas románticas hoy se suele hablar de la ingenuidad y pureza de las imágenes de los años 60 . La crónica fotográfica se convirtió en un género favorito, especialmente popular entre los semanarios en color. El notorio realismo socialista ofrecía «amplias oportunidades para la búsqueda creativa de maestros». Sin duda, fueron los años 60 los que consiguieron convertir la fotografía de reportaje en una obra de arte fotográfica nacional. Todavía te hechiza, como algo propio, un pellizco, ahora bastante lejano, aunque para algunos sólo es parte de la historia, nada personal. Te encantan y admiras estas imágenes, sin darte cuenta siempre de por qué. El poder mágico del arte!

En la imagen

4. L. E. Brezhnev se reúne con N. Con. Jruschov. Madrid. 1962

5. Bakú. Rocas de petróleo. 1959

6. Mstislav Rostropovich. 1951

5. Bakú. Rocas de petróleo. 1959

6. Mstislav Rostropovich. 1951

LA ERA BREJNEV

La era Brezhnev: una transición casi imperceptible. La URSS estaba estancada entonces, dicen los historiadores modernos. Pero no podías creerlo. La gente de la foto sigue trabajando; las máquinas salen de las cadenas de montaje, los altos hornos producen metal para el país, se extrae oro negro, el ejército desfila, los líderes están en las gradas… Tejedores y pescadores, mecánicos y constructores, médicos y profesores, agricultores colectivos y estudiantes. Se dice que el estado soviético utilizaba la fotografía para la propaganda. Si la sinceridad y la bondad, entonces dónde están los que hoy en día fueron educados en esta propaganda? Y luego estaba el telón de acero: casi no había oportunidad de ver lo que hacían los demás. En Estados Unidos era una imagen de autor desapasionada, en Francia era una versión emocional. La orden del estado en la URSS – para disparar el optimismo. También se pueden hacer bodas o retratos en un estudio fotográfico. La fotografía «creativa» existía, pero sobre todo en los círculos de los clubes o de los aficionados. La ideología no tiene nada que ver. Los periódicos y revistas de los años 70 están llenos de congresos y conferencias de partidos, pero también hay niños, jóvenes, amor, vida cotidiana..

Mirando las imágenes ahora te das cuenta: detrás del totalitarismo del constructivismo, de la falsedad del gran estilo, de la dura verdad de la guerra, del infantilismo de los años 60, por delante está la vida sin puesta en escena, la escenificación, el patetismo, el optimismo declarativo, falso. Y todavía está muy lejos del cinismo de los años 80 y 90. Y esa misma vida fue grabada en una película. Y el fotorreportero siempre buscaba la manera de expresarse. Los genios del reportaje de guerra: Baltermants, Yevzerikhin, Lipskerov, Khaldei y Shaikhet. En mayor o menor medida, se incorporaron a la vida pacífica, aunque eran muy buenos fotógrafos. Así que los de la posguerra, son todos un poco parecidos. Excepto, quizás, por Yevgeny Khaldei. Tal vez porque fue expulsado de TASS y comenzó a disparar por sí mismo, obteniendo un descanso de las órdenes del gobierno. Sigue siendo un fotógrafo con rostro, un verdadero fotógrafo documental.

En términos de la historia del país, de la época – es Khaldei… Quien capturó a Francia? No sólo Bresson, sino que a partir de sus fotografías se puede estudiar Francia. Y según las fotografías de Khaldei, la URSS. El tiempo enriquece las buenas fotos. El espectador se siente atraído por estas imágenes años y décadas después, transmitiendo la emoción de la historia viva. Pero la fotografía, por su propia naturaleza, es un medio de comunicación de masas, por lo que el campo visual de observación y selección está siempre a disposición del fotógrafo y abierto a la cámara en sus manos. Al final, la elección de qué y cómo disparar se convierte en una elección de por qué y cómo vivir..

LA HISTORIA DEL REPORTAJE EN LA UNIÓN SOVIÉTICA

El fotoperiodismo soviético tiene su propia historia. La distribución de fotografías «con pies de foto adecuados», cuya conveniencia fue señalada por V. E. Lenin, con el fortalecimiento de la poligrafía se convirtió en fotoperiodista. Inmediatamente después de la revolución, el fotoperiodismo fue generalmente reconocido en el nuevo país como «periodismo imaginativo» de la época heroica. En aquella época no se consideraba una forma de fotografía. En la primera gran exposición, «La fotografía soviética en diez años» 1917-1927 . , celebrada en Madrid en la primavera de 1928, estuvo dominada por la llamada sección de arte; muchos maestros creían que los principios de la fotografía documental eran exactamente los opuestos a los de la fotografía artística. El reportaje fotográfico pertenecía a la «fotografía crónica y forense», es decir, al género aplicado considerado algo inferior. Pero fueron los «aplicados» e «inferiores», en virtud de la competencia de las revistas y los periódicos, en virtud de la vivacidad y la urgencia de la necesidad de fotografiar a cualquier precio, bajo cualquier luz o punto de vista, los que hicieron la «revolución» en la fotografía soviética. Desde los años 20, las mejores fotos de muchos reporteros que trabajaban para publicaciones periódicas adquirieron signos de un nuevo estilo me refiero a los fotógrafos modernistas, a sus experimentos formales . La fotografía publicitaria en la Unión Soviética se autoproclamó en su momento como un nuevo tipo de arte, que se basaba en la veracidad, en los hechos, pero desde un «ángulo sin precedentes». Las obras de los fotógrafos modernistas soviéticos tenían un espíritu optimista y una forma revolucionaria. En la década de 1930, todo el mundo se había cansado de deconstruir la realidad, y simplemente querían verse a sí mismos y a su entorno tal y como eran. Los reporteros de mediados de la década de 1930 rechazaron el lenguaje de los ángulos y las composiciones repentinas y volvieron a las estrategias descriptivas de la fotografía de género del siglo XIX. La teoría de Bresson sobre el «momento decisivo» no fue demandada en la URSS.

7. Estadio del Dínamo. El festival deportivo en honor al 800 aniversario de la ciudad. En Madrid. 1947

El canon pictórico realista socialista tomó forma a lo largo de los últimos años de la década de 1920 y parte de la de 1930. Después de la guerra, se convirtió en el estilo oficial del Estado: el «grand style». La heroica y victoriosa nación reconstruía su nuevo presente con un entusiasmo sin precedentes, y un paradigma futurista de un «brillante mañana». Los planes de construcción grandiosos y movilizadores tenían como fuente lo «sublime» que no encajaba en las fronteras de la racionalidad. Por ello, la fotografía de la prensa soviética no producía reportajes ni informaciones que aspiraran siquiera a la objetividad. Era un instrumento de transformación social totalitaria grandiosa y estaba llamado a crear ilustraciones de un modelo ideológico particular. El poder soviético creó un aura de veracidad en torno a las imágenes de las publicaciones periódicas.

La especificidad de la representación artística del pueblo-héroe mitificado se redujo a la construcción de una imagen instantáneamente identificable o de una situación típica, correspondiente al resultado esperado. En concreto, las visualizaciones de lo «heroico» y lo «típico. El sistema soviético al menos a nivel simbólico creó una imagen del hombre de orden superior, encarnada no sólo en los estajanovistas. Pero, en esencia, todas estas figuras de las diversas narrativas de lo «sublime» no eran autovalentes, sino que eran meros actores en representaciones simbólicas del poder. Todos ellos fueron encarnados por artistas, escritores, directores, fotógrafos. Los héroes de antes de la guerra solían unirse y presentarse como una única y gigantesca masa de personas en busca de la felicidad planetaria. En la década de 1950 fue necesario realizar ajustes en las imágenes. El tiempo necesitaba personificar a los héroes y al mismo tiempo mitificarlos. Olvidando los principios del modernismo, los artistas recurrieron al estilo académico.

8. Donbass, la ciudad de Stalino. La familia del ingeniero jefe de energía de la ciudad, T.A. Bergoltsev

Esta discusión sobre el reportaje de posguerra no es en absoluto una discusión sobre los «excesos individuales» en el uso de ángulos y clichés, o sobre los comisarios y editores sin talento o no disponibles, como Steichen, cuya famosa exposición «Human Race» se pudo ver en Madrid en 1959 y en la que se pudo ver por sí mismo cómo trabajaban los colegas occidentales. La Unión Soviética fue testigo de la destrucción de un género social en la fotografía, relacionado con la visión subjetiva, sobre todo la destrucción del género del reportaje fotográfico. Eugene Smith escribió una vez: «La primera palabra que excluiría del folclore periodístico es „objetivo». La objetividad no es un estado alcanzado inevitablemente por los seres humanos subjetivos. ¿Por qué permitimos que esta mitología de la objetividad „confundir» nuestro cerebro? ¿Por qué toleramos estas cosas de quienes, más que nadie, deberían estar al tanto: los propios fotógrafos??».

9. Vovk. En Madrid. 1957

A este respecto, es interesante observar el testimonio que suele pronunciar la generación de más edad: «Nosotros no pintamos encima, lo vimos así». No se les enseñó la alfabetización visual la mayoría de los fotógrafos eran autodidactas ni la apreciación crítica de lo que veían. Es bien sabido que no es el fotógrafo quien hace la fotografía, sino el azar. No hubo accidentes en la prensa soviética! En realidad, la objetividad no era un principio visual, sino partidista. Y la objetividad en nuestro país era especial – una farsa. Los principios del reportaje soviético establecidos en la década de 1920 eran esencialmente ajenos al género documental. La fotografía documental, que se ocupaba del registro de la realidad, de su reflejo exacto y, en la medida de lo posible, sin distorsiones, no existía en la URSS. La tradición prerrevolucionaria de la fotografía de género de Bulla y las producciones sociales de Dimitriev fueron eliminadas como vestigios prerrevolucionarios.

Los fotomontajes de Rodchenko, los ángulos y las diagonales, los extraños puntos de disparo, no eran sólo un formalismo, sino un intento de mostrar el rostro del nuevo mundo, que ni siquiera debía parecerse visualmente al antiguo. Y luego estaba el realismo social, inventando descaradamente la vida soviética. Y los fotógrafos han aprendido a distorsionar deliberadamente la realidad. Las propiedades de la obra de arte se trasladaron a la realidad. Pero era una forma de sobrevivir, tanto profesional como físicamente. No nos corresponde juzgar a la generación anterior ni reprocharle nada.

A mediados de la década de los 50, el valor de la documentalidad, la verosimilitud y la autenticidad comenzaron a aparecer. El rostro de la fotografía soviética de la época estaba definido en gran medida por géneros cercanos al reportaje. Por supuesto, también existía la fotografía de retrato, a nivel doméstico se encargaban los estudios fotográficos, inmortalizando a los ciudadanos para la memoria de la posteridad. Mucho más importante fue el género del llamado retrato de producción: un hombre de trabajo en el halo de su función de producción. Un fotógrafo no suele aspirar a la calidad artística en un sentido tradicional. Su patetismo estaba en su aspiración de dar a conocer a los lectores la vida, el trabajo y el espíritu de las personas. La narrativa de los reportajes fotográficos, basada en los acontecimientos, era a menudo una versión visual de los editoriales de los periódicos.

10. Dmitry Shostakovich con su hija. 1955

Más tarde, en los años 60 y 70, el estilo ensayístico y lírico de la fotografía documental se convirtió en el más apropiado para la época, el romanticismo del deshielo. Un ensayo fotográfico de los años 60 será un intento de estudiar la experiencia humana individual una visión del mundo a través de los ojos de un narrador . Es una forma visual especial: la realidad circundante sólo puede ser dominada por el hombre a través de la narración y sólo a través de una historia personal.

Tras el deshielo, los autores de la época se volcaron en el tema del «individuo privado», su contemporáneo y sus sentimientos y experiencias cotidianas. Estas obras siempre han sido honestas, sinceras, amables. Pero no es suficiente. El zeitgeist se cuela en los detalles, en las expresiones faciales, en los estilos de vestir, en las marcas de coches… pero enseguida se desvanece. Comparemos los «ideales del humanismo soviético» plasmados en las fotografías de los años 60 con las fotos documentales de la agencia Magnum de la misma época. El nuestro parece un poco ingenuo? Son bonitas y «lindas» porque son «propias», probablemente «caseras», de un viejo álbum familiar donde mamá es tan joven y papá tan marcial. Y de alguna manera no hay ningún sentido de contenido ideológico en esta simple foto «de la vida». Pero tampoco hay quejas sobre el «arte».

No se pueden tirar páginas y marcos de la historia de nuestra fotografía. La bella visibilidad, el «realismo encantador» término de Susan Sontag no puede ser pasado por alto, aunque se mantenga en un marco ideológico. En los años 80, el optimismo será sustituido por la negrura y el cinismo. La fotografía se olvida de amar a la gente. Tal vez esa sea la lección de la «fotografía de los años 50 y 70», aunque sea imperfecta, torpe, «a la altura» de los ejemplos domésticos occidentales o prerrevolucionarios, modernistas y militares?

En la imagen

7. Estadio del Dínamo. Un festival deportivo en honor al 800 aniversario de la ciudad. Madrid. 1947

8. Donbass, d.o.b. Stalino. La familia del ingeniero jefe de energía de T.Y. Bergoltseva

9. Vovkka. Madrid. 1957

10. Dmitri Shostakovich con su hija. 1955

11. Fábrica de automóviles Gorki. Tienda de diseño. Volga-21

12. Por Lenin. Enero de 1960

12. Por Lenin. Enero de 1960

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Herman Lope

Desde que tengo memoria, siempre me he sentido fascinado por la belleza del mundo que me rodea. Cuando era niño, soñaba con crear espacios que no solo fueran impactantes, sino que también influyeran en el bienestar de las personas. Este sueño se convirtió en mi fuerza impulsora cuando decidí seguir el camino del diseño de interiores.

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Comments: 2
  1. Alberto Serrano

    ¿Cuáles son los fotógrafos soviéticos clásicos más destacados que se presentan en esta revista de arte fotográfico? ¿Qué elementos o características definen su estilo y cómo han influenciado en el mundo de la fotografía? ¿Hay alguna obra en particular que recomendarían explorar de estos artistas?

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    1. Laura Cruz

      En esta revista de arte fotográfico se presentan algunos fotógrafos soviéticos clásicos destacados como Alexander Rodchenko, Boris Ignatovich, y Dziga Vertov. Estos artistas se caracterizan por su enfoque en la experimentación visual, el uso de ángulos inusuales y composiciones audaces. Sus imágenes reflejan la revolución cultural y política de la época soviética, capturando la vida en la Unión Soviética de forma única.

      Sus obras han tenido un impacto significativo en el mundo de la fotografía, influenciando a generaciones posteriores de fotógrafos a nivel internacional. Recomendaría explorar la serie de montajes fotográficos de Alexander Rodchenko, en la que combina diferentes elementos visuales para crear composiciones dinámicas y vanguardistas. Esta obra es un ejemplo del poder y la creatividad de estos fotógrafos soviéticos clásicos.

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